L’illusion comédique

De nombreuses offres numériques prennent pour base des dispositifs déjà mis en place précédemment ou proposent une éditorialisation d’archives. Quelques projets sont construits spécifiquement pendant la période de confinement ; assez peu nombreux, ils s’élaborent sur la base de dispositifs « clef en main », facilement déployables, mais qui correspondent à des usages présupposés et pensés avant l’époque que nous vivons. Y aurait-il une troisième voie ? La Comédie-Française propose un programme complet et quotidien, impressionnant par son ampleur et sa qualité…

Cet article se fonde principalement sur la première journée durant laquelle je l’ai écrit,  mais se nourrit d’observations ultérieures également.

Un théâtre suédé

Avec son offre numérique durant le confinement, le site de la Comédie-Française est bouleversé : la première page, qui rappelle vaguement l’internet d’il y a 20 ans, met en avant un lecteur YouTube surmonté d’un lien vers un PDF (le programme de la semaine), et suivi de quelques autres liens vers des lectures sises sur le site habituel (dont une intéressante histoire des loges, elle-même issue d’un ouvrage complet sur le sujet). L’ensemble de l’importante programmation quotidienne est également segmenté en podcasts, disponibles par exemple sur le compte Soundcloud de la Comédie- Française. À l’exception des captations de spectacles, qui conservent leur caractère événementiel : le rendez-vous reste un moment fugace, lors duquel il faut faire corps : nous avons la sensation de partager quelque chose à l’instar d’un public assis sur les fauteuils de la salle Richelieu ou du Studio-Théâtre, alors que nous sommes dispersés. Dispersés, mais cohérents, donc.

Bon, il faut dire que si on n’arrive pas trop tard, tant que le flux n’a pas été fermé, on peut quand même récupérer le programme en léger différé – c’est ce que j’ai fait pour ma part, car j’ai du mal à m’astreindre à un agenda précis.

Ainsi, le premier jour, après avoir observé une mire décompter le temps vers le programme (clin d’œil au partenaire, l’INA, cité en bas de page) celui-ci s’ouvre par un lever de rideau en éponge rose qui pourrait placer le programme sous les auspices de Gondry – on a un peu l’impression que La Comédie continue ! est une version personnelle et bricolée de la pratique sociale du théâtre. De ce fait, l’ensemble souffre bien sûr de quelques hésitations, mais le talent de chacun des sociétaires et comédiens fait vite oublier celles-ci : le tout est finement orchestré depuis les espaces confinés de chacun.

La pédagogie continue

Les rubriques s’enchaînent « La prochaine rubrique a fait peur à toute la troupe… Quand on nous a dit les comédiens repassent le bac français, on a eu peur » annonce Serge Bagdassarian, en rappelant que c’étaient souvent les professeurs de français qui avaient donné l’amour du français à de nombreux membres de la troupe.

On se retrouve bien au cœur du théâtre subventionné français, dans une culture et une identité que le programme reproduit en plein. Du coup, et en conséquence de la nation apprenante, l’attachement au système scolaire d’une éducation qui n’est plus si populaire que ça, se retrouve dans la programmation. Mais, alors que la continuité pédagogique bat de l’aile, Coraly Zahonero explique, par exemple dans la partie du programme dédiée, qu’elle ne va pas remplacer le prof… et s’il n’empêche que son intervention nous apprend plein de choses, on ressent là toute l’incapacité d’une volonté de poursuivre de manière bancale ce qu’une école républicaine à mal n’arrivait déjà plus à faire. Le théâtre français, ou son parangon du moins, est-il encore capable d’assumer des utopies sociales ?

Des comédiens qui n’ont pas besoin de jouer

Les éléments du programme sont reliés par de nombreuses petites séquences, où chacun des sociétaires qui anime le programme du jour partage la culture de son établissement, sans avoir besoin d’en rajouter. L’ensemble transpire la sincérité, avec ce que ces comédiens peuvent parfois avoir d’agaçant dans leurs postures.

Quand on ne connaît pas la Comédie-Française, peut-être ce programme paraîtra-t-il par moments un peu exigeant. Il me semble que c’est justement le point positif du dispositif mis en place : alors que les publics huaient parfois les comédiens en lutte contre le projet des retraites, la maison prend soin d’eux et les fidélise avec ses marqueurs identitaires. Il s’agit de montrer un certain niveau de théâtre, sans complaisance, avec une pointe de classicisme et quelques excursions plus politiques. Ce n’est certes pas l’avant-garde, mais on ne demande pas ça de toutes les maisons de théâtre. Et il serait bien malvenu de changer d’identité pour le moment, non ?

Il y a donc une grande cohérence dans la proposition numérique de la Comédie-Française. Et, parce qu’il s’agit toujours pour ce genre de structure d’avoir un discours de médiation à tous les étages, on découvrira aussi ses métiers, avec des entretiens tout au long de la semaine. Voici revenue l’habitude de dévoiler les coulisses grâce au numérique, comme une surcouche d’information qui nous permet de mieux comprendre les rouages invisibles.

Passez derrière le rideau

Quand le programme avance, c’est l’occasion d’expliquer la vie de la maison. « 18 h 30, c’est l’heure où on fait le premier lever de rideau au Studio-Théâtre. […] où on fait souvent ce qu’on appelle ‘des écoles d’acteurs’ ». Un autre jour, Nicolas Lormeau met en scène, dans sa voiture, une arrivée au Studio-Théâtre (on prend un peu l’air !) et nous dépeint le décor : « On doit traverser une galerie marchande où les commerces changent, parfois des chocolats, parfois des sacs, et au fond la réplique de la pyramide du Louvre, inversée. » Il nous fait ensuite rentrer dans « la petite salle frontale, où le plafond tremble à cause des dieux du théâtre (en fait, ce sont les bus qui passent au-dessus, mais c’est mieux de dire que ce sont les dieux du théâtre) ». L’acteur nous lâche aussi quelques petits secrets d’organisation – « On peut courir du Studio-Théâtre à la salle Richelieu pour jouer le soir même, par exemple. C’est fatigant mais c’est amusant » –, qu’on pourrait retrouver dans la séquence du « foyer des acteurs », ouvert à travers trois petites rubriques qui reproduisent le lieu de discussion des acteurs entre les représentations et permettent de comprendre leur travail par le prisme de l’individu qui se cache derrière le monstre sacré.

Avec un tel logo, quelle est la cible de la Comédie-Française ?!

Globalement, le programme a des chances de plaire principalement à ceux qui connaissent la Maison ou voudraient habituellement la fréquenter plus souvent, mais ne représentera pas une introduction facile aux novices. Ceux-là viendront peut-être surtout consommer le spectacle du soir, qui bénéficie d’une programmation éclectique (de Feydeau à Ibsen en passant par Desproges et Molière), et parfois décroché sur France 5 (summum du déconf… euh… de l’élargissement des publics ?). Pourtant, certaines rubriques sont construites pour élargir un peu, à l’instar de celle où les acteurs présentent « ce qu’ils emporteraient sur une île » – l’occasion, par exemple, d’entendre les conseils musicaux pour un bon confinement de Yoann Gasiorowski.

Je suis un petit amateur de théâtre subventionné, qui n’a jamais eu l’envie de faire la queue pour arracher de haute lutte à des petits vieux une place à la salle Richelieu… Je suis la cible parfaite de ce programme qui me permet de profiter d’un esprit capitonné d’une salle à l’italienne depuis mon domicile. Du coup, une partie de moi aime beaucoup la proposition de la Comédie-Française, qui s’avère qualitative. En outre, elle me semble correspondre aux objectifs de l’institution. Mais peut-être que mon autre moi, un peu plus anarchiste, aimerait que le dispositif numérique permette une plus grande appropriation… On ne fait rien, face à son écran. On est frontalement spectateur, et si nous nous émancipions à partir de ce contenu, ce ne serait que par une volonté extraordinaire d’abstraction, la capacité à mettre en œuvre les codes intellectuels d’un théâtre un peu bourgeois (ou peut-être une autre fenêtre ouverte parfois sur le côté). Il s’agit donc d’une illusion numérique, où la Comédie-Française rejoue dans le confinement le spectacle d’elle-même. Et je me demande, encore, si cela suffira à la société d’après…

La préoccupation écologique

La crise sanitaire que nous connaissons, de l’avis de plusieurs experts, est liée à des enjeux environnementaux. Sans prétendre à cette question introductive ici, cette idée me renvoie directement aux moyens que je peux déployer pour participer de la construction d’une situation meilleure en tant que professionnel de la culture.

L’art dans les tuyaux (l’énergie de l’art)

Beaucoup de streaming, pendant cette crise… soit la forme la plus énergivore du numérique ! Alors que le déploiement de la 5G a été momentanément stoppé à défaut de pouvoir attribuer les ondes dans les bonnes conditions au début de la crise sanitaire, nous devons nous pencher sur le modèle de ce que nous mettons en ligne : nos contenus ont-ils besoin d’être toujours plus volumineux ?

Peut-être des professionnels du milieu pourront-ils témoigner en commentaire ou sur les réseaux sociaux, mais pour avoir regardé quelques propositions de spectacles en ligne, il m’a semblé que les captations n’étaient pas parfaites : celles-ci avaient donc, à mon avis, été produites dans un but d’archives, par exemple, mais pas de diffusion (la Comédie Française assume, et met en avant ce fait). Pourtant, leur imperfection ne m’a en aucun cas empêché de profiter du contenu. Le noir pixellisé issu d’une prise d’image avec un matériel léger ou d’une compression importante ne nuit pas eu jeu de l’acteur. A-t-on besoin de passer à la 5G avec des captations d’un niveau irréprochable pour du spectacle vivant, par exemple ? Quant aux éléments plastique : souffrirait-on d’avoir une prise de vue documentaire, plutôt que de pouvoir allez zoomer ponctuellement sur un trait de pinceau pour apprécier la chose, avant que de l’oublier dans un regard synoptique répondant mieux aux attentes d’une telle position ?

Ecrans sociaux

« Ne pas empêcher l’expérience physique de l’œuvre » était une marotte rabâchée à l’envi lorsque j’exerçais en institution. Je n’ai jamais dit l’inverse. Mais je me pose beaucoup de questions sur les numérisations très haute définition et les expositions en ligne. Déjà en temps habituel, je pouvais m’interroger à propos de leurs objectifs. À présent, je m’interroge également à propos du poids écologique qu’elles peuvent avoir. Une écologie de l’énergie, mais aussi une écologie de la société. Comment faire du lien local, si nous balkanisons les publics ? (Une expression délicate à utiliser, mais que j’utilise à dessein). Depuis quand numérise-t-on, comme une politique culturelle numérique, en France, déjà ?

Il me semble que ce que font beaucoup de professionnels de la culture, avec les quelques photos qu’ils ont sur leurs ordinateurs personnels, impuissants à manipuler des images lourdes et inadaptées à la situation, nous montre que l’approche étique du numérique peut suffire à créer des adhésions aux avatars culturels. Et que plus nous serons capables de diffuser des symboles plutôt que des icones, plus nous serons en mesure de créer des liens avec les gens.

Malraux et Pompidou au temps du numérique

À force de se concentrer sur la façon dont on peut faire sortir les images des œuvres des musées, en pensant dans une sorte de persistance de la méthode malrucienne que le « choc esthétique » fera naître le pensée complexe chez les spectateurs numériques, n’a-t-on pas parfois oublié que ce sont justement les idées qu’il faut pouvoir provoquer (« L’art doit discuter, doit contester, doit protester », disait Pompidou… bon, OK, on aurait pu trouver parrain plus révolutionnaire, mais cette citation me hante depuis des années) ? Certaines structures proposent des ateliers pour les enfants… car la pratique serait à l’origine de la prise de conscience artistique ; Malraux et ses maisons de la culture ayant initié le mouvement poursuivi par les auspices languiens… que le numérique et son DIY aurait pu prolonger. Que faire, envers ces adultes, qui pourraient pratiquer la réappropriation des idées, et à qui on propose souvent de ne se cantonner qu’à l’aspect iconographique ? J’adore le #TussenKunstenQuarantaine (et son autre avatar, le #gettymuseumchallenge) et il m’apporte ce qu’il est censé donner, je crois (de l’amusement, un regard différent sur l’œuvre, un questionnement sur la pratique picturale…). Mais arrive-t-on à aller plus loin, à sortir du mimétisme que l’image numérique de haute qualité nous permet, pour être dans le dialogue des idées avec l’artiste ?

Il faut arrêter de chercher à monter en qualité pour la diffusion, faute de faire exactement ce qu’on ne voulait pas qu’il fasse (poussés par les industriels de la communication qui verticalisent l’économie de la production et de la diffusion des contenus).

Le visiteur émancipé et le spectateur captif

Ces derniers mois, la réflexion sur le « Théâtre Politique » a été relancée… Il n’est pas question de dire que les arts (vivants ou patrimoniaux) doive absolument structurer la réflexion sur la façon dont les citoyens doivent prendre en main leur gouvernance. Mais le lien d’appropriation des œuvres, forcément symbolique, doit pouvoir être renouvelé. Cette vieille idée, qui m’a fait adhérer au rêve d’une société numérisée il y a plus de dix ans, est aujourd’hui à repenser, à imaginer de nouveau. Ainsi, si nous avons une orientation d’un numérique étique (le jeu de mot est là aussi voulu), fût-elle encore faible, il nous reste à lui faire prendre corps en réfléchissant à la façon dont une telle approche peut aider à renforcer le lien local, vraiment.

Cloud artying

Penser local… cela voudrait-il dire, par exemple : arrêter les foires internationales qui polluent, qui concentrent des collectionneurs hors sol pour soutenir une économie en déconnexion complète des pensées structurantes pour les territoires ? Ce que l’art d’aujourd’hui construit, c’est une pensée mondiale (qu’il nous faut pouvoir réaliser pour dépasser les barrières), mais celle-ci est structurée sur les valeurs d’un internationalisme qui ne tient que sur sa base économique. Là encore, j’avoue ne pas m’être documenté spécifiquement et je pense qu’on pourra m’apporter des contrexemples, à défaut de venir contredire mon propos structurellement : mais, par exemple, il ne me semble pas que l’art de foire ait pris massivement la parole sur les mouvements de population que l’Europe ou l’Asie ont connus ces dernières années, au point qu’une prise de conscience politique ait amélioré le sort des migrants. Quelques œuvres choc ont pu émerger, de-ci de-là sur ce type de thématique, mais la structure même du marché de l’art (ses acheteurs, ses modèles spéculatifs, etc.) n’est-elle pas calquée sur celle qui met nos sociétés en tension ? Acheter une œuvre un peu contestataire pour la placer dans un coffre-fort (littéralement… ou dans une fondation où iront les nantis : du pareil au même), ce n’est pas ce que j’appellerais le véritable pouvoir social de l’art.

Blabla art

Certain.e.s professionnel.le.s se rendent compte du rôle politique que peut avoir leur métier, et mettent en place des dispositifs que je ne peux que louer (je les cite souvent en exemple lors de formations que je donne, comme le Palais des Beaux-Arts de Lille). Ainsi, on peut trouver dans certaines institutions des groupes de parole qui préfigurent les réflexions stratégiques, ou du moins les accompagnent : cela me semble être un élément de réponse. Ces groupes de paroles évitent-ils aux structures culturelles d’être une simple courroie de transmission des injonctions hiérarchiques ou tutélaires ? Peut-être pas encore aujourd’hui, mais ils permettent de retravailler une légitimité de la demande là où elle n’est encore comprise que comme une nécessité marketing. Il faudra donc, demain, grâce au numérique qui donne la parole (si seulement on arrêtait de le traiter comme un objet de pure communication), réussir à aller chercher les idées immanentes aux bons moments, aux bons endroits. Il s’agit de faire preuve de finesse. Il s’agit de faire preuve de discernement. Il s’agit de ne pas répondre simplement à cette demande, mais d’accompagner la constitution d’un public qui construise son propre atelier intellectuel, de lui permettre de se projeter dans son appropriation de l’offre culturelle de qualité et des patrimoines, et non simplement de lui promettre du bon temps (même si celui-ci peut être constitutif d’une forme d’adhésion).

Avant que les professionnels de l’art se penchent sur ces questions, les artistes eux-mêmes s’y sont confrontés. Certains d’entre eux réfutent le rôle ludique, spectaculaire et inutile de la pratique pour affirmer des pratiques plus politiques – d’ailleurs, ceux-là trouvaient moins souvent l’accord des grands financeurs de l’art d’aujourd’hui, jusqu’à ce que le green washing deviennet une mode. A l’instar de ces artistes, tentons de discerner comment la polyphonie que nous apporte le numérique, et les stratégies associées, permettront de proposer une approche plus pertinente de l’échange avec les publics.

Une approche qui ne se base ni sur une débauche de moyens, de dispositifs impressionnants et énergivores, ni sur une reterritorialisation qui serait hors sol, ou en ligne directe d’une justification (fou du roi inclus) des politiques qui sont structurellement ennemies d’un éventuel projet de l’art comme terrain de réflexion.

De la terre à l’éther

La préoccupation écologique, c’est donc celle de notre écosystème : il commence à nos pieds, dans ce sol que nous devons préserver, jusqu’à nos pensées qui veulent s’envoler vers des futurs (im)possibles. Ici, la pensée qui lie « dépense énergétique » et « dynamique sociale » (une énergie comme une autre) pourrait être encore approfondie et recevoir des bases théoriques et pratiques plus puissantes. Mais il me semble quand même qu’alors que nous ne sommes pas encore entrés dans le monde d’après, cette réflexion doit conduire les volontés de faire « plus de numérique ».

Le confinement fait-il de nous des êtres de droite ?

« Partir de soi pour penser les autres », c’est un peu ce à quoi le confinement semble nous obliger. Nous devrions être dans notre intérieur, en introspection sur notre rapport à notre vie quotidienne, perdue – à la regretter et la fantasmer, ou à se rendre compte de son absurdité. Nous devrions ainsi partir de nous, pour penser notre relation aux autres, penser les symboles qui constituent notre société ; « partir de soi pour penser les autres » : la citation n’est pas exacte, mais c’est à peu près en ces termes que Deleuze définissait « être de droite » dans son abécédaire.

Plutôt avoir tort avec Deleuze que raison avec Macron ?

Forcément, ceux qui me connaissent conviendront que je ne peux pas répondre « oui » à cette question rhétorique sans m’étouffer. Être de droite, ce n’est certes pas une insulte, mais c’est pour moi un positionnement philosophique, justement, qui va à contre-courant total de ma volonté d’inscription dans le monde. Cette attitude est selon moi condensée dans un avatar particulier, depuis un mois : l’idée même des journaux de confinement me semble être l’aboutissement de cette méthodologie du penser en femme ou homme de droite (peut-être en réalisez-vous un sans vous considérer comme tel ; on pourrait en parler si ça vous intéresse… mais ne nous arrêtons pas là-dessus pour le moment). En conséquence de quoi, même si ces journaux peuvent être des façons de penser le monde, l’après-crise et tout ce qu’il est nécessaire de repenser, il me semble nécessaire de ne pas en écrire. J’aimerais, avec les mêmes outils, certes, plutôt trouver une méthodologie qui soit de gauche.

Une alternative toute simple, pour ne pas se regarder le nombril, consiste à regarder dehors. D’ailleurs, sur Instagram, fleurissent les vues romantiques des petits pans de murs jaunes baignés de soleil lorsque celui-ci se lève, ou des points de vue drolatiques ou vertigineux sur des toits où les voisins et voisines à portée d’objectifs se font bronzer… Faut-il croire que cet objet de contemplation m’a vite épuisé, ou que les gens qui m’entourent sont moins cocasses … mais la fenêtre vers laquelle mon regard s’est posé, c’est celle d’Internet. Pour respecter l’alternative deleuzienne, donc, je voudrais proposer quelques articles en forme d’observation de cet extérieur numérique, pour réussir à trouver ce que peut être la place des individus dans cette société morcelée (et peut-être la mienne, mais cela, je le garderai pour moi, ne vous en faites pas).

Panoptiques de pixels

Ainsi, ma place d’observation a été les quelques mots-dièse mis en place que sont #Culturecheznous #ArtChezVous, etc. Et j’ai écumé les listes faites par des fadas de la veille à qui je devrais souvent dire ma gratitude, comme celle du TMNlab.

C’est cette démarche collective improvisée qui m’a redonné l’envie de cette observation, de cette prise de notes et de cette nouvelle séquence d’écriture pour le blog, un peu, pour quelques articles (plus ou moins, la constance n’est pas forcément mon fort). Il y aura donc des descriptions accompagnées de la glose qu’elles méritent, qui me permettront de partager un état transitoire et embryonnaire de ma pensée, pour avoir peut-être quelques conversations numériques avec vous. On peut aussi s’appeler, hein ! En tout état de cause, ces notes, je les voudrais en convergence avec ce à quoi je pouvais penser avant (avant le confinement) et avec ce qu’il est nécessaire d’imaginer et d’inventer maintenant (maintenant que l’on sait combien notre société est fragile et combien sa puissance symbolique se désagrège quand nos murs se referment sur nous).

Il nous faut, dans le champ culturel (comme ailleurs, mais ce n’est pas le sujet ici), trouver des points de convergence entre ce que la crise sanitaire actuelle nous oblige à penser et ce que le numérique nous invite à revoir déjà en temps habituel. Ma réflexion s’articule depuis des années autour de la pratique métier (la nécessité de décentraliser le numérique au sein des institutions et de décentrer l’institution de l’objectif des stratégies numériques, pour mettre les publics au centre de celles-ci), de l’appropriation (des avatars culturels, des discours, des places fortes de la pensée comme de leurs interstices souvent plus féconds), de la fidélisation (car je pense que le zapping est une contingence contemporaine, mais pas un horizon désirable) et de la mise en écosystème (car faire du lien est l’objectif que j’attache à la culture, et ce lien s’inscrit dans la logique des symbioses qui s’entendent d’un point de vue écologique aussi bien qu’interpersonnel). Que doit-on continuer à penser sur ces sujets-là ? L’agenda de la réflexion et de l’action à mener à partir de ces sujets doit-il être modifié, inclure d’autres points focaux, ou points de fuite ? Et tout ce que la culture ne touche pas des drames et des bouleversements de cette crise : nous, professionnels de la culture, ne devons-nous les atteindre que par l’intermédiaire de l’artiste, ou notre rôle se fait-il (définitivement) politique[1] ?

 

Sans répondre à ces questions totalement, mais en cherchant à décrire des parcours de réflexion qui partent de ce que je peux observer, de ce que nous pouvons voir depuis nos panoptiques de pixels, j’espère que nous pourrons entrer dans le dialogue au fil des quelques mots lâchés ici et là.

 

Prochain article : « la préoccupation écologique », ou comment le recours massif au numérique implique de penser les écosystèmes.

 

 

[1] Depuis longtemps les commissaires d’exposition se posent la question de la nature de leur métier, en convergence ou en conflit avec la vision de l’artiste, puisqu’ils en seraient peut-être eux-mêmes. Cette question un peu vaine en soi devrait soulever une interrogation plus large : les métiers de la culture doivent-ils se faire politiques ? Sommes-nous là pour mettre en œuvre les visions que des élus nous dictent (alors même que la culture est rarement au cœur des programmes et des débats autrement que par des questions de financement et de logiques industrielles), ou devons-nous autonomiser cet espace pour porter des discours protéiformes, qui ne sont pas des discours artistiques et n’en ont pas la prétention, mais qui sont des approches pragmatiques de ce que doit faire le champ symbolique… (et ce pragmatiques n’est, pour une fois, pas une façon détournée de dire libérales).

Utiliser les réseaux sociaux pour trouver des clients.

A l’occasion du premier FreelanceLab de 404 Works organisé à The Hood (Paris), j’ai eu l’occasion de réaliser une petite présentation sur l’utilisation des réseaux sociaux comme outil de prospection pour les Freelances.

Je vous partage ici le slideshare. Les commentaires qui m’ont servi à structurer mon intervention orale se trouvent juste en dessous.

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Vous avez sûrement déjà une présence sur les réseaux sociaux, à titre personnel. Il est donc important de vérifier la nature de celle-ci.

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Voici cinq questions qu’il est possible de se poser parmi tant d’autres – elles sont un bon début.Pensez à mener votre recherche sur Google ou les autres réseaux en n’étant pas identifié(e) ! Utilisez si possible la navigation privée de votre navigateur. Vous verrez, les résultats ne sont pas forcément les mêmes. Mais faites aussi une recherche en étant identifié(e) car votre réseau a peut-être des comportement proche des vôtres.

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N ’oubliez pas : l’identité numérique est ce sur quoi vous avez prise, l’image que vous renvoyez aux autres. La réputation numérique, c’est ce que les autres percoivent et l’image qu’ils créent de vous – celle-ci est hors de votre contrôle, sauf si vous êtes maître dans la manipulation ;o)
Votre identité numérique est composé de 3 éléments, schématisés sur cette copie d’écran Twitter. Nb : Si vous avez envie de vous lâcher sur les réseaux sociaux entre amis, réglez vos paramètres de confidentialité ou créez-vous un compte bloqué sous pseudo.

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N’oubliez pas : que ce soit en quelques lignes ou plus, il faut ECRIRE votre stratégie. Vous avez besoin d’une référence stable : c’est le but de la stratégie. Or, si tout ne tient que dans votre tête, vous aurez tendance à en varier petit à petit.

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A quoi pense-t-on quand on écrit une stratégie ?
Ses objectifs et comment y arriver (« ma stratégie en tant que freelance, c’est de me présenter comme un expert, en publiant de la veille et des avis tranchés sur l’actualité » « Ma stratégie en tant que graphiste, ce n’est pas que de montrer un portfolio de ce que je fais, mais de créer le dialogue sur la technique, de montrer aussi le geste et la passion »)
Optimiser votre temps (votre stratégie doit être réaliste sur le temps que vous avez à consacrer à l’exercice, et imaginer comment gagner du temps – abandonnez un pan stratégique s’il est trop chronophage)
De quoi investir sans trop dépenser (de même, pensez aux outils – abonnement à un service, etc. – et aux éventuelles publicités payantes – cela peut commencer avec qq euros quotidiens)
De quoi garantir une identité claire, et donner envie de converser avec vous… pour créer des opportunités
De quoi de ne pas perdre du temps en se précipitant sur les nouveautés, mais en faisant dans la durée (sauf si vous faites de la com, dans ce cas ça s’appelle du test and learn !)

Ca prend quelle forme ?
Sûrement un doc word ou excel, quelques lignes qui reprennent vos ambitions, et les réponses aux quelques questions suivantes :

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Quelques questions qui peuvent vous aider à écrire votre stratégie :- Quel temps ais-je à consacrer à une présence numérique ? Soyez honnêtes ! Si vous avez peu de temps, votre stratégie consistera à l’optimiser. Mais l’adéquation entre vos ambition et votre agenda est la clef de la réussite, pas la quantité.
– Avec quels outils suis-je le plus à l’aise ? Écrit longs ou courts, photo, vidéo. Ne vous embarquez pas sur Twitter si vous avez une âme de khâgneux… Ne faites pas un blog si vous parlez en punchlines. La vidéo serait une fausse bonne idée si vous n’êtes pas un acteur dans l’âme…
– A qui va s’adresser ma présence numérique, et dans quel but pragmatique ? A des clients, pour vendre ? A un public plus large pour créer une notoriété qui touchera indirectement des clients ? A des personnes qui connaissent votre travail et qu’il faut réactiver ?
– Mon produit est-il numérique compatible ? En gros, réfléchissez à la façon dont se fera la transformation de vos prospect ! Si tout peut se faire en ligne, allez-y à fond et mettez un formulaire d’achat, proposez des modes de paiement : ça fera pro, et ça facilitera le contact. Il ne faut jamais mettre de barrière à un contact ! Par contre, si un échange humain est nécessaire, que tout se fait sur le temps long, montrez les signes de votre disponibilité, de votre écoute – pourquoi pas des photos sur Instagram de vos différentes rencontres ?
– Je renouvelle ou j’ai des fidèles ? Cela va par exemple déterminer si vous allez chercher à recruter sans cesse avec des méthodes d’automatisation, ou au contraire si vous allez passer du temps à échanger en MP avec quelques personnes particulières.

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– Comme pour votre temps libre et votre temps de travail, votre identité professionnelle et votre identité personnelle se mixent.
– La transparence, c’est aussi pour les freelances. Mais le voyeurisme aussi ! Votre image doit rester pro, mais aussi détendue… vous devez être l’incarnation de l’idée qu’on se fait d’un freelance : un bosseur cool, libre et pro.
– Assumez ce mélange, et travaillez une identité engagée. Il n’y a rien de pire que de faire appel à un freelance complètement lisse… Ces sont les aspérités de votre image qui attireront les contrats les plus intéressants.
– Votre identité numérique doit correspondre à votre produit. Votre identité numérique doit s’adapter à vos futurs clients. Votre identité numérique doit refléter votre pratique ! Le cordonnier le plus mal chaussé, c’est une mauvaise excuse qui ne tient plus. Le web est une méritocratie – le freelancing aussi.

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Les réseaux sociaux sont extrêmement chronophages et vous avez besoin de vous garder du temps !
C’est le temps que vous décidez d’attribuer aux réseaux qui doit conditionner ce que vous allez y publier, pas l’inverse !Une petite chose : gérer un planning, ça veut dire VRAIMENT l’inscrire dans votre agenda.

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Gérer son temps peut passer par ces quatre points :
– Mutualiser les contenus : quand on cherche un contenu, quand on écrit quelque chose, quand on produit une image… toutes ces tâches peuvent être transposées sur plusieurs supports : faites-le.
– Mutualiser le travail de recherche et de rédaction.

NB : Le temps consacré aux RSN ne soit pas trop important, mettez en place des astuces, comme :
– Automatiser certains éléments. Les likes, les retwittes, les messages d’accueil en MP : tout ou presque peut s’automatiser. Et faites-le ! Mais en accord avec votre stratégie – si la conversation et l’échange sont au centre de votre démarche, dites « bienvenue » vous-même.
– Programmer des éléments. Cela vous permet de regarder le moment le plus efficace pour poster sur certains réseaux (si vous avez une audience importante, certains outils vous permettent même de vérifier à quelles heures ils sont connectés).

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La régularité de votre présence sur les réseaux socionumériques structureront vos communautés. Fixez vous des rendez-vous réguliers dans la mesure de ce que vous pouvez assumer.

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Sur chacun de ces réseaux, vous allez organiser votre veille informationnelle et concurrentielle quoi qu’il arrive. Utilisez des outils tels qu’hootsuite pour paramétrer des flux et des recherches, explorez les # et les groupes…

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Etre présent sur Facebook c’est nécessaire, mais n’y perdez pas de temps.
Twitter, ça sera en fonction de votre cible.
Snapchat ne permet pas la transformation
Instagram, Tumblr et Pinterest seront pour les créatifs…
Ce ne sont là que des exemples, pensez bien que votre stratégie et vos objectifs sont particuliers et que les généralités peuvent vous aiguiller mais ne doivent pas vous guider.
En gros, pensez à respecter l’identité de la plateforme, regarder quels sont les types d’usagers qui y sont, adaptez vous à la demande (une règle générale sur les RSN !)
Les contacts que vous y faites participent de votre image de marque, ils ne sont pas forcément rentables : c’est une présence vitrine, bien qu’interactive.

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Le réseau social professionnel ou le réseau social de nichez est l’endroit où vous allez présenter votre travail, où vous allez pouvoir être précis sur votre sujet, où vous allez élargir le plus possible votre réseau dans un objectif de contact rentable.
Si le réseau pro tel que Linkedin ou Viadeo est un endroit où on met un CV, c’est aussi un endroit où une approche éditoriale est bienvenue à travers des publications récurrentes. Le réseau de niche quant à lui est souvent un portfolio qu’il faut nourrir régulièrement.

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Ciblez vos réseaux sociaux en fonction de quelques idées comme les quatre suivantes :
– Se présenter comme un expert : Scoop-It ou Pearltrees pour la veille, le blog pour écrire.
– Faire de votre site ou blog un hub où toutes les infos de contacts et tous les éléments de votre présence sont regroupés. Ce n’est pas parce que vous êtes présents sur tous les réseaux sociaux que l’on réussi à vous retrouver de manière efficace (si on veut vous écrire un courriel, Instagram sera peu utile).
– Discuter, échanger, faire du lien : les réseaux de conversation sont faits pour ça. Ce lien se prolonge dans la vie réel à la moindre occasion ! Il faut provoquer cette transformation pour véritablement engager son contact.
– Relayer, devenir une source d’infos : a contrario de l’image d’expert, à vous de savoir si c’est la nouveauté ou l’analyse qui vous intéresse le plus !

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Une communauté, ce sont des personnes qui partagent des pratiques ou un but commun.Créer sa communauté demande du temps. On peut essayer des méthodes un peu mécaniques, mais seule votre implication créera l’engagement.

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– Décider de ses cibles : vous n’arriverez pas à créer une communauté qui englobe tout le monde.
– Penser en terme de cercles concentriques : proches, clients et relais, intermédiaire prospect de qui il faut maintenir l’attention, éloignés et difficiles à attirer a priori mais qui sont intéressants à travailler et à regarder (veille, concurrence, thématiques secondaires, etc).
– Dressez le menu : votre communauté n’existera que si vous forgez un but commun à ses membres, si possible autour de vous. Pour un graphiste, ça peut être prendre du plaisir esthétique. Pour un développeur, ça peut être défricher des aspects techniques ou des nouveautés grâce à votre veille, etc.
– Vous préférez les convives aux pique-assiettes ! Une audience, ce sont des gens qui vous écoutent. Une communauté ce sont des gens qui partagent qqch avec vous. L’un est facile à récolter, l’autre se construit sur le long terme. Pour animer une audience, vous dépensez du temps, en animant une communauté, elle vous fera gagner en valeur (argent, contenus, etc.) Misez donc sur ce temps-long et n’ayez recours à l’audience que lorsque vous avez de l’argent, du temps, des contenus en trop.
– Épicez tout ça : Là encore, mettez de vous et du caractère dans votre recette pour les réseaux sociaux.

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La ligne éditoriale est importante pour une présence sur les réseaux sociaux, même pour un Freelance ! Mais pour cela il vous fait de la matière : faites en sorte de vous assurer de pouvoir publier des contenus ou des exemples de ce que vous avez fait pour vos clients. Vous êtes freelance, le contrat qui vous lie est un contrat de paire à paire !

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Quelques éléments qui vous permettent de penser votre ligne éditoriale :
– Que dire ? Est-ce que ça valorise mon activité, quels arguments commerciaux je peux employer,… ?
– Que ne pas dire ? Est-ce que c’est un argument TROP commercial, est-ce que c’est narcissique (vous aurez compris, en règle général on évite les excès), est-ce que ça donne une image pas assez pro, etc. ?
– Pensez métier : Y a-t-il des points précis dans votre métier ? Des thématiques de niche…? La ligne éditoriale participe de votre identité !
– Pensez un peu technique… Allez-vous courir après les nouveautés ? Rédiger vos textes que pour le SEO ? Vos contenus aideront à vous trouver sur le net, mais n’oubliez jamais que vous écrivez avant tout pour des humains !
– Quel ton allez-vous adopter ? Décontracté, plutôt sérieux, drôle ou pessimiste ? La façon dont vous abordez les sujets va là aussi participer de votre image en plus de donner un aspect à votre contenu.

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Le support numérique doit être vu comme une opportunité, non une contrainte ! Si c’est le cas, ne vous forcez pas à être présent au-delà d’une vitrine que vous actualisez régulièrement et d’une veille. Mais il y a de grandes chances pour que le fait d’explorer cet univers vous permette d’avoir des pistes créatives supplémentaires !

Quatre petits twelve et puis s’en vont

Vendredi dernier, j’avais la joie de partager une conférence matinale avec Flavie Deprez de Care News à l’invitation de Jérémy Fretin (Culture Time). Tant l’angle de la conférence (les réseaux sociaux et les nouveaux financements) que le format m’avaient donné envie : il ne s’agissait pas de pontifier pendant un temps infini, mais de tenter de faire tenir un propos fort en 12 minutes chacun, de dialoguer pendant un temps identique et enfin d’échanger avec la salle sur une autre tranche de 12 minutes. Un format dynamique qui collait bien avec la verve de ma camarade oratrice d’un matin !

Cela fait longtemps que je n’avais rien publié ici, même si les brouillons s’accumulent dans les nuages. Je profite d’avoir préparé cette conférence sous la menace d’une sanction sévère voire clairement disproportionnée de la part de Jérémy* pour la retranscrire et peut-être briser la boucle du silence. Voici donc une autre version écrite de ce que j’ai dit ce matin-là et que vous pouvez retrouver augmentée des échanges en admirant la captation ! Notez que le grand avantage que vous avez sur les auditeurs présents dans la salle, lecteurs, c’est que vous pouvez comparer les versions écrites et orales qui divergent de-ci, de-là. Impatient, n’est-ce pas ?

 

*Toute ressemblance avec la réalité est improbable, Jérémy étant une perle et je voudrais saluer sa préparation. Du coup, les noms des personnages n’ont pas été changés dans ce récit.

On est tombés au fond du silo.

Vous me connaissez peut-être un peu, mais en introduction de la conférence j’ai présenté mon petit pédigrée : ayant travaillé pendant 6 ans au Centre Pompidou, j’ai également eu l’occasion d’intervenir pour des fondations culturelles privées, d’autres institutions publiques mais aussi pour des PME commercialisant des produits en BtB dans le domaine de la culture.

Un point commun à ces expériences : partout ou presque, il existe encore une structure en silo qui empêche de valoriser les interactions imprévues avec les internautes. Dans certains cas, des objectifs commerciaux laissent également peu de place à l’incertitude de ces interactions numériques humaines. Disons-le donc sans ambages : s’il est même impossible de communiquer efficacement dans ces cadres, vous imaginez bien qu’il y a une impossibilité structurelle à être agile sur les nouveaux financements. Notons pourtant que des démarches politiques au sein d’établissement peuvent garantir des tentatives voire des réussites, et j’en prends pour exemple le CMN, mais le lecteur pourra sans problème me proposer d’autres exemples locaux en commentaire ou sur Twitter !

Jérémy nous avait demandé de présenter le plus possible de projet. Je ne suis pas fort à valoriser mes anciens projets (même si je prépare une petite série pour mémoire). J’ai cependant eu envie de citer les suivants, afin d’illustrer différents rapports conflictuels avec l’esprit du mécénat :

  • Sur un plan classique, le projet Blinkster au Centre Pompidou aurait mérité une démarche de mécénat. Non seulement l’innovation technique s’y prêtait, mais en plus de nombreuses démarches collaboratives autour du projet avaient été mises en place – finalement, un partenariat tardif avec Wikimédia France résultera de ce qui pour moi s’inscrit comme une des plus grosses occasions manquées de cette période. Car, au final, aucun mécénat n’a existé pour ce dispositif qui n’a pas vu le jour dans une version finale. L’innovation numérique et le mécénat ont parfois des difficultés à s’accommoder.
  • Les projets éditoriaux Eduque le Troll et CheckPaint n’ont pas non plus profité d’un élan de générosité. Quel dommage ! Structurés comme des narrations transmédia autour d’un personnage haut en couleur qui a rapidement remporté de l’adhésion plus que de l’audience (j’ai nommé Miss TrollMedia), ces projets auraient pu être eux aussi porteurs dans une période où de nombreuses agences proposaient des démarches similaires aux institutions culturelles. En liant ces projets à une recherche de rentabilité économique, ou en s’appuyant sur des démarches de financement collaboratifs et de microfinancement à inscrire dans leurs histoires, ceux-ci auraient pu être très porteurs. Là encore, une quantité infinie de variable nous ont fait rater le rendez-vous.
  • Que dire des tentatives de microfinancement ? S’il est vrai que les projets portés par mon équipe portaient alors globalement sur la structuration des communautés, aucune demande de la hiérarchie n’avait été faite sur la construction de mécénats participatifs. Pire peut-être, après avoir formulé ces propositions, celles-ci ont été rejetées car « trop compliquées à mettre en œuvre administrativement ».

Bien sûr, il est toujours facile de pointer les défauts de manière rétrospective et je ne voudrais pas verser dans cette facilité sans y prendre ma part. Car, ces exemples montrent bien à mon avis la nécessité sur cette question du financement, de permettre de penser collectivement des stratégies et des projets. Organisées en silo, les équipes développent des cultures de travail qui ne se rencontrent pas ; ces nouveaux outils de financement (comme les nouveaux outils de communication que sont les RSN) ne devraient-ils pas nous permettre de développer une culture commune ?

Fuck yeah Communauté

Au royaume des buzz words, celui de communauté est borgne… enfin roi… enfin, vous m’aurez compris. Il m’a donc semblé important de rappeler quelques points de ce qui fait communauté pour bien comprendre les enjeux spécifiques qui se nouent entre cette assemblée de personnes et le reste du monde. J’aimerais relever deux nécessités incontournables :

  • D’abord, des intérêts communs, des pratiques communes et/ou un but commun. Ceux-ci peuvent être définis de fait, ou apparaître dans le dialogue et le consensus – voire en opposition à une pression extérieure à la communauté. Ce sont là les dynamiques identitaires classiques, et les buts et objectifs communs peuvent être simplement la jouissance d’un instant délicieux et hors des contraintes de la vie quotidienne – le divertissement donc. Certaines communautés créeront des objectifs plus exigeants, mais ceci est une autre histoire !
  • Mais aussi, un discours autour d’un avatar culturel, à partir duquel la marque peut tenter de fédérer pour créer des liens. Ceux-ci peuvent être tissés entre cette communauté et la marque, ou entre les membres de cette communauté si l’avatar culturel en lui-même n’a pas les caractéristiques requises pour créer ce lien seul. Un avatar culturel numérique, par les traces qu’il permet de laisser est plus adapté à la création de ces liens qu’un objet physique, mais ce n’est pas systématique.

A contrario, notons que des pratiques hétéroclites autour d’un avatar culturel créent ce qu’on appelle un public, c’est-à-dire un groupe qui est en capacité d’échanger autour de cet avatar, la variété des pratiques empêchant un objectif ou un but commun. Lorsqu’en plus la communication est morcelée voire inexistante entre les membres de la communauté, on pourra parler d’audience.

La clef de la communauté semble donc être la pratique de l’avatar culturel. Inutile de rappeler combien l’expérience utilisateur est essentielle, n’est-ce pas ? Il faudrait tenter de déconstruire un peu cette notion pour comprendre son impact normatif sur la pratique des membres d’une communauté. Car en effet, si ces membres ont la volonté d’être guidés pour la compréhension des avatars culturels (à mon sens, cette volonté est la résultante de l’acculturation aux politiques culturelles), elles n’ont ce désire que jusqu’à un certain point. Le spectre de l’émancipation les hante sans cesse. Certes, ils se laisseront malheureusement peu tenter par celui-ci, mais ils veulent en avoir la possibilité.

Là encore, cette volonté est issue selon moi d’une culture qui prend de l’importance dans nos sociétés hypermodernes : celle d’un mouvement vers la transparence et l’appropriation. Les industries culturelles et le secteur patrimonial sont vus comme des réserves de contenus à utiliser et exploiter dans des objectifs et des buts communs et individuels à la fois. Serait-il intéressant d’exploiter la volonté de coopération et d’investissement dans ce fonds culturel, en lien avec la transparence de sa gestion ? Certainement, mais à ce jour je n’ai pas vu d’exemple concret reprenant cette stratégie.

L’expression de ces buts communs et individuels se fait par différents moyens, au nombre desquels des actions, du do, à travers des détournements et des réappropriations de contenus culturels par exemple. S’il ne s’agit plus seulement de dire, une multitude de discours critiques continuent cependant d’exister à travers différentes modalités : les blogs et les prises de paroles formelles en occupent encore une part importante en parallèle des réactions informelles dans des échanges courts sur Twitter par exemple. De même, des réactions typiques d’une relation commerciale prennent de plus en plus de places dans des pratiques de consommation culturel à travers par exemple des sites comme TripAdvisor, mais le filtre du faire et de l’expérience utilisateur justifie de prendre en compte ces remarques selon l’angle de lecture proposé dans cet article. Peut-on faire le parallèle entre l’évolution du mécénat au microfinancement et l’évolution du blogging au microblogging ? Peut-être. Mais à ce jour je n’ai vu aucun projet de financement culturel se baser sur cette démarche – lecteur, détrompe-moi si tu as un exemple !

Les contenus sont une interface avec le public

En restant concentrés sur le contenu, on peut noter que de nombreux exemple de projets participatifs montrent que pour faire participer les internautes il faut d’abord solliciter leurs compétences déjà acquises (je cite souvent des projets des Archives de la Manche) et non leur en faire acquérir de nouvelles – une dérivée de l’adage qui veut que les institutions culturelles aillent là où sont les publics. Cela représente certes une vraie contrainte lorsqu’il s’agit de créer des interfaces, puisque celles-ci doivent prendre en compte l’analyse des futurs usagers. Ce n’est pas toujours facile dans un domaine où les études des publics, et a fortiori des non-publics que tentent souvent de toucher les RSN, ne sont pas toujours monnaie courante.

Ainsi, les dispositifs de médiation et de communication ne prévoient pas toujours une vraie place pour l’usager. La partie la plus progressiste des publics peut donc rejeter ceux-ci car ils n’y reconnaissent pas leurs usages, ils ne répondent pas à leurs attentes. D’autres dispositifs tentent cependant de s’adapter et vont sur le terrain des publics : ils sont alors dans une position délicate puisque soumis à la concurrence d’attention et/ou doivent s’adapter sur la forme tout en proposant un fond attrayant. Il s’agit donc d’une double contrainte un peu vicieuse (mais c’est le cas de la plupart des doubles contraintes, me direz-vous).

Pour y répondre, plusieurs niveaux d’implication face aux contenus peuvent être mis en place : d’abord, l’intégration des logiques de contenus et données ouverts (pensons à Gallica), qui permettent une réappropriation et une création d’interface par les publics. On peut aussi mettre à disposition des contenus particuliers et permettre ou laisser faire le remix (je ne voudrais pas rabâcher autour du Forum des images ^^), voire la production de nouveaux contenus à travers des dispositifs incitatifs (en ce moment, la mode est aux marathons photos). Dernièrement soutenu par une charte que j’ai vu fleurir dans de nombreux établissement qui l’arborent fièrement, ce mode photographique permet également une nouvelle appropriation par une forme de langage sans mot (parfois avec des émojis et des annotations) qui vient modifier la légitimité à prendre la parole.

Il y aurait d’autres interfaces et interactions à citer (j’avais peu de temps lors de l’intervention, je ne l’ai pas fait) qui dessineraient autant de types de publics et de profils différents, créant des opportunités et stratégies à déployer.

Les contenus, une valeur sacrée dans le Musée

Cependant, dans de nombreux musées ou établissements patrimoniaux, cela reste difficile vis-à-vis des objectifs quant aux contenus. Si la conservation, la compréhension et la diffusion des contenus peut parfaitement entrer en cohérence avec les modes d’interactions proposés, il ne faut pas oublier qu’un fonds a une valeur scientifique mais aussi affective : deux raisons de créer des gardiens du temple. On voit de nombreux conservateurs s’ouvrir sur la question du numérique et lâcher du lest quant à leur lien personnel au fonds qu’ils protègent (j’ai eu l’occasion de citer le Musée Fabre de Montpellier), mais des progrès peuvent être encore faits – tout comme il est possible à certains métiers de l’informatique ou de la communication de s’ouvrir aux différentes valeurs d’un fonds ! Notons pourtant que les politiques culturelles françaises ne sont pas d’une précieuse aide pour ces évolutions, puisqu’à mon sens la valeur qu’elles développent à propos d’un fonds est celle de l’éducation des citoyens, et non la liberté d’interprétation face aux avatars culturels.

Globalement d’ailleurs, les objectifs des institutions quant aux nouveaux médias se retrouvent dans la même impasse :

  • Structurellement, les nouveaux médias sont à la communication ou aux départements des publics où les objectifs sont bien souvent similaires : l’élargissement des publics. Ils sont peu utilisés pour le B2B (on remarquera le peu de pages LinkedIn dans les établissements publics) et rarement tournés vers le crowdfunding (ou avec des objectifs qui relèvent plus de la communication).
  • Les pratiques numériques artistiques ne sont pas en phase avec les pratiques numériques des publics : il s’agit de deux cultures vues comme antagonistes. Et pour cause ! elles n’ont pas du tout la même origine et les mêmes usages. Pourtant, le dialogue qu’elles pourraient instaurer serait fécond. Pour cela, il faudrait cependant que les départements des nouveaux médias puissent créer un travail élaboré avec ceux de la conservation – mon expérience a montré que cela était encore trop sporadique, et suivait bien souvent les lignes de… communication ou de médiation !
  • N’oublions pas non plus qu’au même titre que la communication est vue comme une simplification commerciale, les nouveaux médias vus comme un outil du « Libéralisme » face à la « Culture ». C’est particulièrement vrai dans les bibliothèques où le livre numérique fait se cristalliser certaines positions alors que ces lieux, leurs propositions et leurs usages sont en mutation.

Protéger son fonds des assauts… comment alors permettra à celui-ci de s’enrichir grâce aux financements extérieurs ?

Quelques pistes de réflexion

Sans vouloir faire de poncif, la situation me pousse à donner quelques pistes à explorer selon moi. On voit bien que la question est éminemment culturelle et qu’à ce titre un travail de RH serait indispensable. Cependant, la conduite du changement peut aussi se faire de manière douce en tentant d’aborder les questions liées au contenu :

  • Encourager certains dispositifs : par exemple, l’usage des certains réseaux sociaux est intéressant au-delà de ce qu’ils produisent en eux-mêmes : Instagram ne sert pas qu’à la photo, mais à une acculturation réelle autour des nouvelles pratiques de la représentation des fonds et de l’institution par les publics. Après avoir organisé un #EmptyMusem, le Palais des Beaux-Arts de Lille a mis en place #WikiMuseum, une collecte d’images en collaboration avec Wikimedia France autour du musée, lors du lancement duquel Bruno Girveau (directeur) annonça sa fierté de lâcher prise quant à l’image de l’institution. Que donneront ces pratiques ? Qui seront les auteurs et les garants de ces nouveaux fonds ? Comment la valorisation de ceux-ci auront lieux ? Imaginerons-nous des financements participatifs pour ces productions collaboratives qui seront investis d’un fort sentiments d’appartenance et d’une grande charge émotionnelle ? Nous le serons au(x) prochain(s) numéro(s).
  • J’ai déjà eu l’occasion de le dire : il me semble que le rôle du CM est aussi un politique. Peut-être pourrait-on assumer un peu plus cette position ? Ce n’est pas tellement dans l’air du temps a priori, et les formations de CM s’inscrivent aujourd’hui dans les métiers de la communication plutôt que de la sociologie. Mais peut-être le CM se fera-t-il ubériser ? Peut-être deviendra-t-il simplement inutile lorsque les contenus seront mieux appropriés directement par les publics. Cette désintermédiation provoquera fatalement une modification des économies liées à la diffusion des contenus… en espérant qu’une économie de plateforme culturelle ne se mettra pas en place. Une affaire à suivre (et à encourager ?) !
  • En tout état de cause, il me semble que ce qu’on appelle encore souvent « les nouveaux médias » s’inscrivent dans un temps qui passera vite. Ils s’intégreront au système. Reste à pousser une intégration qui permette non pas de les affadir, mais de transmettre leurs cultures aux mécanismes des institutions culturelles ! Les comprendre dans leurs aspects stratégiques semble être une façon de les voir comme un bon outil d’acculturation de l’institution aux pratiques de demain. Et justement, dans le cadre de ce Twelve, le rapport du contenu à l’engagement financier peut être cité comme l’une des bonnes pistes, malgré les contraintes citées.

Au fond, la question est la suivante : évoluer ou disparaître. Rien d’extraordinaire, de nombreuses industries culturelles se la posent ou ont dû se la poser. Voir les outils numériques et notamment les RSN comme des facilitateur d’une nouvelle économie permettant d’inclure les pratiques immanentes n’est peut-être pas la panacée, mais certainement un moment incontournable de la réflexion !

 

 

Bien utiliser la communication digitale dans le milieu culturel, #JME14

La table ronde « Bien utiliser la communication digitale dans le milieu culturel », organisée par l’association Dauphine Culture, a réuni le 12 septembre 2014 Aurore Gallarino, Responsable de la communication digitale du Centre des Monuments nationaux, Anne Le Gall, Directrice de la communication et du développement à l’Avant Seine, et initiatrice TMNlab (le laboratoire des Théâtres & Médiations numériques) qu’elle est venue présenter, et Noémie Couillard,doctorante en muséologie à l’Ecole du Louvre-Avignon-Montréal, enseignante à Lille III.
J’ai eu le plaisir d’animer la conversation entre ces trois oratrices chevronnées, qui ont sur – je crois – apporter au public des points de vue précis mais accessibles. Je tente ici d’en retranscrire les propos que vous pourrez retrouver également dans les actes du colloque des Journées du Management Culturel.

Digital ou numérique ?

Dès les présentations, Aurore annonce son activité comme ressortissant officiellement d’une cellule « digitale », responsable d’une approche éditoriale, là où la cellule « numérique » du CMN s’occupe des systèmes informatiques. Le vocabulaire a son importance, puisqu’en effet ces deux termes viennent d’horizons différents et représentent bien la pluralité en France des métiers du numérique en rapport avec les publics, coincés entre les approches marketing, de médiation, et d’interfaces techniques. Noémie souligne à ce propos que le métier de Community Manager (CM) n’est pas homogène, qu’il est en pleine structuration : dans de nombreux établissements, des agents qui n’en ont pas le titre en ont les fonctions. C’est une activité diffuse, qui fait d’ailleurs dire à nos trois oratrices que le Community Management (CMnt) n’est pas l’apanage d’une personne mais doit être décentralisé au sein de la structure. Anne souligne que cela est d’autant plus vrai dans les lieux de spectacles vivants, où une part importante des professionnels est déjà en contact direct avec les publics. Aurore souligne d’ailleurs que son pôle digital s’occupe de la marque CMN, mais que les agents dans les monuments sont les plus aptes à parler et à mettre en valeur leurs contenus, qu’elle exploite pour une seconde vie (numérique) ensuite.

L’humain et l’entropie au centre.

D’un commun accord, il est dit que la spécificité du numérique entraîne des changements dans ces pratiques préexistantes de contact aux publics. Interrogées sur cet aspect, les trois oratrices semblent cependant s’intéresser principalement au versant communication de cette réalité, en expliquant que les craintes d’un bad buzz, par exemple, ne sont que rarement justifiées – Noémie ajoute à la suite d’Anne qu’il y a une autorégulation des internautes. Cette importance de l’internaute dans l’équilibre de la communauté semble parfois mis à mal quand les envies de personnal branding des chefs d’établissement viennent interférer avec le travail du CM : Aurore souligne que la présence d’un chef d’établissement est aussi un élément à prendre en compte, puisque celui-ci est susceptible de prendre la parole au nom de l’établissement et donc de venir perturber la communication de celui-ci. Les oratrices s’accordent alors à nouveau sur le besoin de formation qui existe pour le métier, afin de bien maîtriser les outils en relation avec les objectifs d’établissement. En outre, le CM doit en effet anticiper les réactions des internautes, afin notamment de ne pas éviter les sujets sensibles comme le souligne Aurore qui avoue avoir un rôle d’avertisseur auprès de sa hiérarchie mais aussi de ses collègues programmateurs. Les peurs de la hiérarchie quant à la nuisance possible issue des Réseaux Sociaux Numériques (RSN) sont rarement justifiée : Anne affirme que la plus grande partie des éléments négatifs se cantonnent aux critiques de spectacles, engendrant le dialogue entre les protagonistes sur les RSN et Noémie ajoute que le CMnt a principalement pour rôle de recruter de nouveaux publics.

Sur quoi repose une communauté ?

Ainsi, la question de l’engagement se pose : à partir de quand un internaute devient membre de la communauté ? Que veut dire s’engager auprès d’un établissements, d’un contenu ? Nos oratrices montrent que les publics numériques des institutions et leurs communautés sont dépendants du territoire en grande partie, mais aussi de l’activité. Il n’y pas de recette miracle ! Il faut donc pouvoir structurer sa stratégie sur les études des publics physiques : Anne souligne que dans les théâtres parisiens, la relation avec le public est moins concrète que dans son théâtre actuel où l’inscription dans la vie du territoire compte beaucoup, engendrant une stratégie intimiste autour de la monstration et du dévoilement des coulisses, par exemple. Ces stratégies de personnalisation se retrouvent aussi dans les institutions patrimoniales, comme au musée Saint Raymond de Toulouse où les personnels compétents d’un domaine répondent directement aux questions via des profils identifiés. Une pratique de la personnalisation qui a aussi un autre versant : celui de l’événementiel, souvent soutenu par une agence de communication venue mettre en place le projet, comme pour le projet #AuPanthéon du CMN, mis en place avec une petite agence faute d’un budget plus conséquent.

Un CM, ça bosse vraiment ?

Si cet externalisation permet au domaine patrimonial de prendre en charge des pratiques dont il n’a pas la maîtrise, elle est quasiment structurelle aux lieux de spectacles vivants, comme nous l’explique Anne : en effet, ceux-ci n’ont que peu de temps pour s’approprier et prendre en charge des spectacles qui sont joués sur quelques jours au maximum et sont donc très dépendants des contenus produits par les compagnies elles-mêmes.
D’autres contingences matérielles président à la structuration de l’action de communication numérique ; Aurore donne l’exemple du CM, qui peut intégrer une partie de l’activité de CMnt propre à la programmation : l’agent en charge de l’alimentation de ces informations sur le site les édite également pour les RSN, créant ainsi de la cohérence entre les plateformes. Ces réalités opérationnelles et RH font que la stratégie semble absente des plus petits établissements où le travail est donc moins segmenté – pour Noémie, il s’agit d’une stratégie par à-coups. Nos oratrices soulignent le fait que la stratégie de nombreux établissements est encore une question de pratiques des personnes en interne, de manière quasi individuelle et personnelle parfois.

Vieilles recettes, nouveaux pots et économat.

Cette question humaine est donc au cœur des organisations, mais également des publics. Les espaces numériques, prolongation de l’activité physique, doivent participer de l’expérience utilisateur. Anne cite le théâtre d’Alençon, qui utilisera bientôt une webcam pour créer des rencontres entre le public et les artistes… voire le non-public, puisque cet échange via le canal numérique se fera dans un bar à plusieurs kilomètres de la scène !
Cette table ronde est donc l’occasion de constater que des recettes traditionnelles du numérique ou de la médiation sont encore appliquées avec grand espoir. C’est l’une des missions du TMNlab que de tenter de (re)penser le numérique dans ces lieux – Anne nous explique par exemple que la question de la diffusion en direct peut être remplacée par la diffusion de captations plus anciennes, le direct n’apportant rien que des coûts supplémentaires qui peuvent être avantageusement réinvestis sur la qualité de la captation. Ces équilibres économiques posent d’ailleurs la question des partenaires : lorsqu’un théâtre tente de mettre en place une interface numérique innovante pour la retransmission d’un de ses spectacles, il doit le faire en collaboration avec un média plus puissant, et donc en déséquilibre et sur une programmation plus grand public.
En quelque sorte, cette question de la captation des spectacles rapproche ce domaine de celui du patrimoine et des politiques du Ministère de la Culture et de la Communication dans le domaine patrimonial, longtemps tournées vers la numérisation – avant qu’une orientation supplémentaire autour de l’ouverture des données n’ait été donnée. Le théâtre est moins représenté par cette numérisation et cette archive que la danse, selon Anne, à cause du dispositif même basé sur la parole. Là encore, la spécificité du contenu semble venir en contradiction de volontés plus larges. Mais comme pour les politiques mises en œuvre dans le domaine patrimonial, les mêmes craintes reviennent : la numérisation pourtant ne vide pas les salles ! La comparaison n’est pas possible avec le secteur de l’industrie musicale qui a trouvé sa rentabilité dans le live, mais des éléments d’expérience commune sont nombreux.
Dans le domaine patrimonial, on constate certes que l’audience progresse surtout pour les expositions blockbuster, mais il semble acquis selon les études que l’usage des éléments de patrimoine numérisé se fait surtout dans l’avant-visite, en préparation de celle-ci, et non au détriment de la visite des collections permanentes et des fonds. Aurore souligne également que la numérisation peut donner accès à un patrimoine caché ou fragilisé par son exposition (elle cite la Grotte de Font de Gaume, dont la fermeture au public pourrait intervenir pour sa conservation), pour faire découvrir ou encore donner envie au public. Noémie rebondit en revenant sur la distinction des métiers, entre communication et médiation numériques : impossible selon elle de distinguer ! La spécificité de l’outil numérique serait donc de rendre cohérent des fonctions qui hier étaient séparées de manière un peu artificielle y compris dans les espaces physiques. C’est le grand rêve de la transversalité qui pointe son nez…

Prenons la mesure de la révolution…

Cependant, ces changements apportés par le numérique ne semblent pas pour le moment s’inscrire dans une dynamique de fond. Ou peut-être est-ce car on ne sait pas quantifier ces évolutions et leurs impacts ? Pour Aurore, c’est justement un horizon vers lequel le CMnt ne doit pas regarder : il faut selon elle garder « la relation au cœur du numérique ». Ce disant, il semble qu’elle pense surtout aux questions de l’audience, qui obsède certaines hiérarchies à tort. La valeur de l’activité sur les RSN est ailleurs – cette relation humaine avec les internautes se double de la relation humaine au sein de la structure et du plaisir des équipes à diversifier leurs pratiques. De nouveau, les oratrices semblent plaider pour cette transversalité… Et peut-être une envie que le secteur ne se professionnalise pas trop ? Anne, cependant, insiste sur la nécessaire évaluation, pour une raison très pragmatique : les actions sur les RSN sont très chronophages, il faut donc pouvoir mesurer et gérer l’investissement qui y est réalisé. Le retour sur investissement (ROI) se fait également quant au nombre de visiteurs en salles issus des RSN, mais aucun outil n’existe vraiment, à l’instar des affiches et des supports traditionnels de communication. Le tracking de billetterie est certes une piste, mais encore trop faible car le processus d’achat peut parfois être très long et de manière non linéaire dans le secteur culturel.

Questions de la salle.

Quand la salle prend la parole, c’est la question du ROI qui est tout de suite débattue, de manière pragmatique : quelle suite donnée au sondage mené par le CMN cet été ? Aurore répond que l’adhésion ou le rejet de certains éléments par les internautes est tout de suite pris en compte – l’investissement dans la création d’une communauté numérique permet donc de mieux inclure le retour des publics.
La question du lien entre les interfaces est ensuite posée : des contenus sont-ils distincts ? Comment l’internaute ou le visiteur passe-t-il d’un support à l’autre ? Pour Anne, le supports ont leur fonction propre : le site donne l’information plus institutionnelle, quand les RSN se basent sur ces mêmes contenus mais avec des points de vue différents. Tout cela doit participer d’un référencement global des activités des institutions dans les moteurs de recherche.
Qui dit interactions entre les plateformes, dit chronologie des contenus!Aurore cite alors les pratiques transmédia, mais explique tout de suite les contraintes liées à l’évolution des contenus même dans les métiers du patrimoine. La chronologie des événement live et in situ est également à prendre en compte – il s’agit de jongler entre les temps longs et les temps courts, et des contenus à mettre en avant selon une éditorialisation parfois complexe.
Enfin, une dernière question porte sur l’application de la pratique des RSN dans les PME : comment prouver que tout ceci est efficace ? Aurore explique qu’il y a un besoin d’évangélisation, de simplement montrer à ses collègues l’impact concret en termes humains. Il ne faut pas oublier non plus que la mesure de l’impact doit être pensée dès la construction d’un projet : en effet, pour chaque objectif fixé il faut déterminer dès le départ l’analytique qui permettra de mesurer la réussite de celui-ci. Enfin, Anne précise que l’analyse de l’existant et simplement le rapport – façon revue de presse – de l’activité des réseaux sociaux est une marque intéressante de l’intérêt des RSN.

Merci pour leur LT à Margaux Abatecola ‏(@mrgx_), Laure Pressac (‏@LaurePressac) et Gilles Duffau ‏(@gillesduffau) qui m’a aidé à préparer ce compte rendu – support bien utile pour me remémorer ce que mes notes-patte-de-chien-non-numériques signifiaient.

Comment faire de l’art contemporain un remède universel ?

La Panacée serait-elle un remède à la crainte des publics envers l’art contemporain ? Est-ce là le sens du nom de ce « nouveau » lieu montpelliérain, ouvert il y a un peu plus d’un an dans l’ancienne école de pharmacie et, faut-il le dire, dont l’accès est relativement mal indiqué ? Les expositions inaugurales sont toujours le moment d’une réflexion sur l’avenir d’un lieu mais aussi celui où la fraîcheur d’un regard porté sur le domaine est la plus clairement lisible ; si l’on fait abstraction de la nécessaire friction d’un lieu d’art avec le quotidien, c’est donc le meilleur moment pour se pencher sur le programme de celui-ci, « plateforme créatrice et expérimentale [qui] propose à tous les publics d’expérimenter une relation nouvelle à l’art ».

De la gastronomie en prémisse de l’expérience esthétique

Les abords de la Panacée ne sont pas des plus avenants. Monstre sacré indétrônable, le bâtiment blanc récemment ravalé semble immuable au milieu des bâtisses vieillottes du quartier. Un peu hors du temps.
La première fois que je suis venu là, c’était lors d’une biennale d’art contemporain organisée par le FRAC – il y en a eu trois. A l’époque, le lieu servait de salles d’expositions pour la Dégelée Rabelais, offrant ses petites salles et son grand patio lumineux à des œuvres dont je n’ai plus guère la mémoire aujourd’hui ; je crois que Le Gentil Garçon y était représenté, et qu’un écorché de Mickey ajoutait au côté médical du lieu.
Quelques années plus tard, le bâtiment restauré a une toute autre allure. Les étages pourraient être accessibles à condition d’y être invité par l’un des étudiants qui y loge, le patio a réduit de taille mais est maintenant habité par un jardin moderne faisant place belle aux haltes ensoleillées pour les promeneurs qui souhaitent une pause, et les salles se sont agrandies, permettant aux œuvres de s’y installer avec plus de confort. Est-ce à dire que le lieu a perdu un petit peu de cet aspect de laboratoire qui était le sien ? Peut-être ; les exigences d’un centre d’art ne sont pas toujours aussi poétiques qu’une expérience à travers le temps.
Pourtant le lieu est plein de vie. A travers sa programmation et l’interaction avec ses habitants et ses visiteurs sur laquelle je reviendrai, mais aussi à travers son café, point d’entrée et de sortie du lieu, dont l’esthétique contemporaine évoque un chantier perpétuel qui serait là pour rappeler qu’il faut venir et revenir encore en ces lieux d’art et voir les œuvres évoluer au fil du temps. Le café-restaurant qui lui-même est un lieu de vie où de nombreux montpelliérains ont eu l’occasion de passer des soirées festives autour de DJ ou d’une paella, par exemple. On est aujourd’hui trop souvent habitué aux restaurants hors de prix dans les lieux d’art, mais là ce n’est pas le cas et j’avoue que ma gourmandise est à chaque fois récompensée à moindre frais, faisant de la visite à la Panacée une expérience complète des sens.

La Panacée est véritablement ancrée dans la ville et dans le quotidien. Ce premier et dernier sas qu’est le café, au bar duquel en quelque sorte vous passez obligatoirement avant d’entrer (la boutique et l’accueil sont dans le prolongement de la vitrine à pâtisseries), est un tampon avec l’extérieur, un premier pas dans l’expérience qui permet donc d’ajouter le goût aux sens mobilisés dans un centre d’art.

Vous prendrez bien un peu d’art ?

Ma deuxième visite à la Panacée eut lieu en 2013. L’endroit venait d’ouvrir de manière pérenne, comme un centre d’art municipal auquel était adossé des résidences étudiantes et ce fameux café-restaurant qui serait tenu par des amis de la belle famille. Je me réjouissais de le retrouver, tandis que mes souvenirs étaient encore frais de ma première visite. Le lieu avait bien changé, perdu de son cachet pour en trouver un autre, plus commun. Restait donc à voir ce que donnaient les expositions.

La première thématique choisie, déroulée sur un an et demi, est celle de la communication. J’avoue être resté un peu circonspect à la sortie de la première exposition, conversations électriques. Peu d’œuvres avaient emporté mon adhésion et j’aurais eu tendance à rapprocher le lieu d’un Palais de Tokyo, où le prosaïque côtoie le superficiel des codes rabâchés de l’art contemporain. Mais ce genre de lieux sont au fond les meilleurs endroits pour exercer son goût et se rappeler que l’art peut ne pas être une approche intellectuelle, mais une expérience individuelle d’ouverture à l’étrange(r). J’y allais donc comme à mon accoutumée, détaché de toute contrainte et avec pour seul bagage mon regard critique (et nuancé, comme certains le savent).

L’une des premières choses qui m’a touché, lors de cette première exposition, et qui m’est revenue alors que je visitais Une lettre arrive toujours à destination, c’est l’intérêt flagrant pour l’interactivité. Chaque salle comprend une œuvre pour laquelle le visiteur est invité à toucher, à prendre, à bouger… Une salle atelier est même systématiquement présente à mi parcours, lieu d’application concrète de concepts parfois très abstraits, ouvert aux enfants et aux adultes. Sur la table, des ciseaux, de la colle, des papiers et des crayons, tout un univers de bricolage auquel s’adonner avec plus ou moins de bruit et juste à côté d’une œuvre qui tapisse le fond de l’endroit, ouvert sur la sale suivante de l’exposition. Cet atelier n’est pas optionnel, il participe de l’expérience de l’exposition et devant une œuvre de Felix Gonzales-Torres un médiateur proposait de faire ici son selfie afin de fabriquer la carte postale qui serait accrochée à la mosaïque dans l’espace atelier, puis expédiée à la fin de l’exposition. A côté, le Panastudio permet d’accueillir des ateliers plus ponctuels – lors de ma visite, la restitution d’un de ces ateliers était en cours et j’ai eu l’agréable surprise de constater que celle-ci se faisait dans les salles mêmes ! Tandis qu’un charmant jeune homme – Sunny Jim, résident dans le cadre du programme de résidence et de collaboration avec le Crous – prenait des photos, les adolescents installaient des figures humaines découpées dans le papier sur les murs du lieu d’exposition même, avec l’aide des médiateur et même des agents de sécurité. Là encore, le faire pénètre l’exposition et le point de vue des amateurs côtoie l’œuvre d’artiste, reliées à la fois par la thématique choisie par le curateur et par le moment de la création, la contemporanéité la plus immédiate parfois.

Lorsque j’observais tout cela, j’ai eu l’occasion de parler avec le responsable de la médiation, Stéphanie Delpeuch, et plus tard avec Léa Sarra, qui s’occupe d’un tas de choses et a rendu par exemple vie au compte Twitter @LaPanace – premier pas salvateur et indispensable qu’il faut toujours saluer et qui permet aux internautes de ne jamais rester sans réponse. Tandis que cette dernière ventait les apports de la Museum Week pour le centre d’art sur les réseaux sociaux, Stéphanie a longuement partagé avec moi l’expérience des ateliers animés par les artistes ou les étudiants. Le lieu fonctionne lui aussi par le tâtonnement et l’expérience assumée, sur le terrain, de remèdes déjà éprouvés ou de potions expérimentales. Ma première impression d’un lieu hermétique a été balayée en deux minutes, la présence humaine étant la panacée, le remède universel à l’isolement des publics face à leur monde contemporain dont l’art veut se faire la médiation expérimentale voire poétique.

Personnellement, le choix de l’unique médiation humaine me trouble un peu. Je suis moi-même peu enclin à chercher le contact d’un médiateur lors d’une visite et son point de vue, documenté et le plus neutre possible la plupart du temps, me perturbe cependant. Que je me trompe sur le « sens » d’une œuvre ou que je n’en ai pas les clefs me permet souvent de me confronter lors d’une lecture de cartel avec cette autre réalité qui est celle de l’artiste – et ce moment où je me rends compte d’un décalage ou de mes tics de pensée, sorti de ma zone de confort intellectuel, est un moment qui pour moi doit être solitaire au risque de me déranger et d’avoir envie plus tard de le fuir. C’est ainsi que je fonctionne et je sais que d’autres fonctionnent autrement, aussi c’est cet impératif du contact humain, dans un moment de remise en cause qui me fait poser des questions ; quoi qu’il en soit, on retrouve dans ce choix l’un des ferments même de la Panacée et il reste relativement efficace. Vlady, qui tient le bistro, m’a parlé du lieu et de cette médiation en ces termes : « comme le lieu est gratuit, tu peux y revenir plusieurs fois. Une œuvre que tu n’as pas comprise la première fois pour te paraître évidente la seconde, et si un médiateur n’a pas été présent lors du premier passage, il le sera peut-être pour le deuxième ou le troisième. » Ce sont des rencontres.
Il faut croire que comme moi elle avait oublié que, pour ne pas être trop radicale, la Panacée distribue aussi un feuillet papier format A4 très complet contenant un petit texte de type cartel de médiation sur chacune des œuvres présentées. Si vous allez à la Panacée, je veux bien connaître vos usages face à ces différents outils de médiation !

Peut-on boire une bouteille à la mer ?

Passer l’information, aider à contempler, rencontrer l’autre : autant de notions qui rappellent combien la Panacée a au cœur de sa mission l’envie de le communication. Pour un centre d’art public, municipal, on est d’ailleurs également au cœur de la mission politique.
Mais on est aussi au cœur du projet artistique.

Ainsi, cette saison inaugurale intitulée Vous avez un message est l’occasion de questionner le processus de la communication – les documents parlent d’une saison centrée sur le téléphone et je me souviens en effet que de nombreuses œuvres de la première exposition questionnaient directement cet appareil. Pour l’exposition actuelle, Une lettre arrive toujours à destination(s), sous le commissariat Sébastien Pluot, même si Cinder Peak Phone Booth Replica (Bluejacking), de Bettina Samson, semble être l’œuvre étendard de l’exposition, celle-ci traite plus de la façon dont les œuvres adressent – ou non – des messages aux publics que des supports eux-même. C’est peut-être d’ailleurs ce qui donne à ce quatrième volet de la dernière saison un aspect plus universsel, mais peut-être aussi plus convenu.
En effet, le parcours commence même avec des artistes déjà bien inscrits dans l’histoire de l’art, du Musée d’art Moderne, section littéraire, Département des Aigles de Marcel Broodthaers à Allan Kaprow, en passant par Marcel Duchamp et son Air de Paris sous forme de carte postale ou Robert Filliou… Du geste absurde comme une bouteille à la mer, à l’adresse directe et vernaculaire, on retrouve tous les champs de la communication voulue, avortée ou involontaire. Par exemple, la poétique du néant de Joachim Koester qui base son installation Message from Andrée sur les hoquets d’une technologie de prise de vue, la détérioration de la matière photographique. Cette œuvre fonctionne comme un rappel de cette communication de l’au-delà qu’on a cru déceler lors de l’apparition des télécommunications modernes, et nous interroge sur le rapport entre la mort et l’absence : l’art et la communication sont-ils des bouteilles à la mer, des messages dont le temps efface les destinataires et les émetteurs ?

Ce rapport de la communication à la mort se retrouve dans l’un des Candy Stacks de Gonzalez-Torres, Untitled (Placebo-Landscape-for Roni). Le principe est toujours le même : une quantité de bonbons représente la présence de la personne à qui s’adresse ce type de cénotaphe et le visiteur est invité à emporter un bonbon et à le manger, transportant une partie de l’œuvre et donc du message tout en le transformant en énergie vitale bien que superflue. Une absence qu’on retrouve chez Yann Sérandour et ses Miroirs #450, #546, #743, reproductions de photos de miroirs vendus aux enchères et publiées dans le catalogue Sothebys… où, ni les reflets existants lors de la prise de vue, ni les reflets impossibles des visiteurs n’apparaissent dans le papier aluminium utilisé pour reproduire les miroirs. En vis-à-vis, une autre reproduction : celle d’une cabine téléphonique légendaire utilisée par les chercheurs d’or tardifs en plein désert américain, changée grâce aux technologies modernes du bluethooth en émetteur de message de proximité. L’œuvre de Bettina Samson détourne ainsi une série de mythes : d’abord l’imaginaire du grand ouest, relaté de manière très esthétique par des petites mottes de terre traçant une sorte de perspective traversant la cabine téléphonique, jusqu’à une plaque de plexiglas jaune. Puis, celui de la communication téléphonique par la simple fore du dispositif et l’incapacité de celui-ci à remplir le rôle qu’il représente.

Enfin, celui de la communication numérique, à travers le buzz que la cabine avait fait sur internet, poussant de nombreuses personnes à tenter d’appeler ou de répondre sur la cabine, à l’image de l’œuvre de Sophie Calle sur le pont du Garigliano à Paris.
D’autres œuvres impliquent plus directement le rapport à l’art en tant que support, à l’image de Mel Bochner et de son dessin mural No Thought Exists Without A Sustaining Support. Ou encore à l’art comme objet de consommation chez Nicholas Knight photogtaphiant les visiteurs en train de photographier les œuvres d’art, et présentant son travail sous la forme d’un poster que le visiteur de la Panacée peut emporter. Comme il peut emporter des cartes postales (à demander aux médiateurs) de Joanna Hadjithomas et Khali Joreige pour Wonder Beirut, interrogeant le statut de l’icône touristique, l’image de et sur la carte postale, la factice de l’expérience touristique et de ce qu’elle relate de la découverte forcément partielle d’un pays.

Ces quelques points de vue bien partiels sur les œuvres de l’exposition permettent de relater une partie du propos de celle-ci mais montrent aussi son aspect relativement classique, moins exploratoire et conceptuel que la première. La Panacée semble se chercher en quelque sorte, mais cela n’a rien d’étonnant. L’acquisition du langage chez un nouveau né arrive avant sa maîtrise, et je suivrai avec intérêt autant que faire se peut ce centre d’art dont le projet est selon moi très prometteur.

A personnal point of view on #MuseumWeek

A few weeks ago, European #MuseumWeek took place on Twitter. #MuseumWeek was 7 different themes developed during 7 days, about Museums, heritage, works of art, the public and points of view about culture and uses. It was a private initiative from Twitter, lead by 12 Parisians museums and joined by many other French museums. At first, the project was a French one, but some days before the beginning, Spanish, Italian and British cultural institutions joined #MuseumWeek. France had 7 themes, and other European countries had 7 other themes, not always linked during the same day.

For more practical information, you can read this blog post from Twitter (here in French, and here in English).

My article will expose some of my point of view, but obviously a whole analysis takes a a much longer article. So I will highlight key issues.

 

How we can work, and what we can do ?

The context of the week was really difficult. Twitter contacted some Parisians museums a few weeks before the operation, and we had a very short time to prepare 7 days of content!

For a long time, I have wanted to write something about “why heritage institutions are not start-ups,” but I haven’t had the time to do that yet… but this #MuseumWeek episode is a perfect example of issues that cause this different of corporate culture. So: if agencies can work in a very short time on iterative projects, museums have a harder time. We need to work with several colleagues from the institution: curators, mediator, press officer, top management… It takes time. It takes a long time. It takes too much time… but it necessary because an institution is an opinion leader in some way, an official voice and not just the voice of the Community Manager, for example.

We have also some issues with content: at Centre Pompidou, we need to secure rights to use each picture. And, guess what? That takes time, too! And money.

 

In addition to these usual issues, we had to deal with particular issues for this #MuseumWeek. 7 hashtags for 7 themes are all a challenge: how can we match those with Centre Pompidou’s strategy and content?

#LoveMW was very tough! We didn’t use to share with our public just sensitive approach : we decided upon #LoveMW to create more engagement and thinking about art. So, we won’t just ask: “what do you love?” Of course, it’s important information to collect. But, during a long day? Hum… I’m not sure. So we decided to program a kind of FlashMob on the Piazza in front of Centre Pompidou, drawing hearts on the floor and inviting people to do selfies and express with creativity their love of our museum.

Two other examples: during the first day, we called upon people from Centre Pompidou community to a livetweet into the backstage. It was a way to involve them, and not just reproduce the goal of #JourDeFermeture (a French hashtag showing the backstage, too!). And for the last day, dedicated to visitor creativity, we ask them to create a cadavre exquis just on Twitter.

 

A huge opportunity for museums ?

First I was very suspicious about this week. I said that to Twitter France and colleagues from others museums.  I for example asked, from a public institution, why we have to work to a private project without any return on (time) investment. Or if we want to work on a such big project with the ministry… but nobody heard me.

 

My point is : of course, we can work for a private company such as Twitter; Centre Pompidou creates the main part of his social strategy on this social media for the moment. It’s obviously a good point for innovation to mix different points of view doing that. However we have to keep in mind that Twitter and others can live with two different things: data and content. Data is provided by people using content, and content is provided by users. And who are users? People, of course, with the User Generated Content (UGC), and brands or institutions such as museums that managed some UGC, too.

Obviously, if Twitter asked museums to create content during a looooooong week, there is a return on investment: they maybe will use analysis on the flow of data, interactions, and so one. Of course, I don’t know if they are able to do that, but indeed is not very important to me. (French) public cultural institutions have to understand that the further economic model of the cultural field needs to be consistent with the global digital economy. And, this economy will be based on content, data, and the analysis of these two things, won’t it?

So, public cultural institutions can offer these things to Twitter, I repeat it again: this is not the problem. But, what does Twitter offer to them in return?

 

There are some results, aren’t there?

This week happened in the end of March. Now, it’s time for results!

For Centre Pompidou, we did a not-so-enthusiastic analysis : we won audience, but not much more than a usual week. We created more interactions, that’s obvious, because the attention about culture had really increased and that is interesting. But we can see that the new audience wasn’t engaged on the content in the long term. Analysis from a searcher (Antoine Courtin) seems to show that the #Museogeeks community in France was a very large part of the audience during this week. Can we say this week was a corporate week? Is it really a good idea to engage new audiences or to work on better defining ones already engaged, and engage them more? We have to think that to invest the right time and effort to reach known goals.

But, talking with colleagues about #MuseumWeek during a meeting of #Cmmin (a French community of heritage community manager, initiated by Florence Vielfaure from French Ministry of Culture), points of view are pretty different. Some of smaller institutions had better audience results, and I understood that the effort of Centre Pompidou being a part of this operation is not just good for itself but for the heritage community! And that’s the more interesting reason to be part of it, in my opinion. We need to create a user experience of heritage on social media, and this kind of week is an important step to do this.

Now, we have to work on modalities to touch the right public!

#PaperToy for a strong strategy

Centre Pompidou launched a special Tumblr a few months ago : people are invited to post pictures about a theme linked with the Centre Pompidou schedule. The picture represents a Paper Toy, a paper character customized by the user. Even it’s a game, with 3 special prizes (catalog, album and bags of the Roy Lichtenstein’s exhibition), what is the point of this project regarding to the Centre Pompidou strategy on social medias ? And how does it work?

 

A quick presentation :

The game takes place on Tumblr. We chose this platform because It was possible to use a personalized template for the design – we created one with responsive design, which is important to allow usage from anywhere, anytime, anyone… It wasn’t simple to develop it, but we had a talented developer! For example, it was important to understand how it’s possible to create a participative interface, and adapt the design and functions: Tumblr seems to be a regular website, but it’s very different and there are many limits during development. So, it’s possible to create an interface for the contribution with Tumblr, and it’s interesting for Centre Pompidou having this on the social media, because it’s one of the most interesting community about graphic culture.

So, the Centre Pompidou purpose is not to push some official content from the institution, or content from artists: it’s to let people say their interpretation of the contemporary creation. For example, the first theme related to Le Nouveau Festival, a transdisciplinary festival of which the theme was « languages », this year. So, people sent pictures of characters talking, singing, watching TV… or with a QR code!

Now, the new theme is about Roy Lichtenstein. Thinking of his practice of engraving, I looked with colleagues for an artist with a special technique: drawing with a pen. It is a more popular practice than engraving, but it can be linked to the exhibition’s theme : artist’s experiments.

I asked Isabelle Kessedjan to create the first character and imagine the first story, and we filmed her with the time laps system to create a teaser. This short film was used to promote the game and to explain it.

 

Why create such a blog ?

One of the important points of this blog is obvious: to create interaction between audience and Centre Pompidou. This interaction is based on the Centre Pompidou schedule, allowing users explore different themes and communicate about exhibitions, festivals, and so on. But, why realize that through this kind of Tumblr?

The digital project of Centre Pompidou is focused on involving people in the creation of content. A lot of projects are designed for a textual approach of the creation, like the Centre Pompidou experience on Twitter or the partnership with Wikimedia France I already talked about here. But, words are just one way to communicate! Pictures are a strong and unexplored means to do that for Centre Pompidou.

Why can’t we use pictures as much as we want? Simply because of the complicated aspect of the French copyright ! It costs a lot (for a short time) and it’s necessary to ask a lot of authorizations (from the artist of course, but also from collecting societies which are very strong…); there’s no fair use! So I have always regretted not using pictures on social medias. Letting people create pictures and share them through this type of project is an original way to be on Tumblr, a platform is largely dedicated to design and graphic creation. And it’s really necessary for Centre Pompidou to prove that themes which are treated with words for a part of the audience could be treated with pictures for the other part of the audience.

 

How does it work?

People had to use the paper toy’s pattern by Tougui, a French artist. It’s the same each time, blank and after having downloaded it, ready to be customized. The base of the model is a geometrical shape, able to be used in different positions to imagine different kinds of legs. And the trunk (or the head… it’s the same part) is also an ambivalent geometrical shape. There is a large surface to draw on : the character had to be designed for newbies and easy use.

Each theme suggest a new type of character. For the moment, it’s about imagining a story to explain why a Roy Lichtenstein’s character is crying. The first step is to think about a funny, artsy, special or true story, then to invent a way of describing it with this character: in which background? With an accessory or not? Will he say anything? There are a lot of decisions to make, it’s not easy to write a scenario in a unique comic strip box!

Then, it’s the time for glue and scissor.

Or you can delegate this to your child, your nephews, or anyone else.

Then, it’s time for the picture! I already know that a participant built just one paper toy and preferred to duplicate it with Photoshop to create a situation with tow paper toys… why not, but it’s not necessarily easier for anyone. Anyway, when you have a picture, you can post it on http://centrepompidou.tumblr.com and tag it with the key word of the moment : #Lichtenstein. I will receive a notification and validate it. Now, you’re in the running for the prize!

#WikiCP : how this partnership between Centre Pompidou and wikimedia France works

Two weeks ago, Centre Pompidou and Wikimedia France signed a new partnership: it’s the next step of a former project begun in 2011. This first test was completely different because it involved a small number of participants, art works and workshops. But the project succeeded: 4 articles were created with the infobox – this formal part of the page is important, because it allows the exchange of data and includes these on the semantic web.

There was a long time between this former project and the new one. The digital staff of Centre Pompidou was busy, working on the launch of this new website. But now, it works and it’s a huge project!

The partnership is designed with two principle goals: the first is the creation of articles on Wikipedia, and the second is the building of the Centre Pompidou community. To reach it, the partnership has 3 parts:

The technological aspect

This first part has not started yet. Wikimedia and Centre Pompidou will be able to create links between the two websites. This part will be facilitated by the Dbpedia project of Wikimedia France, which allows the data of Wikipedia to be crawled by other websites, like the one of Centre Pompidou for example. But to use the data of the free encyclopedia, Centre Pompidou has to study the viability of the process, quality of data, and a lot of others things. It’s not so easy for an institution which includes a museum known for scientific excellency to accept this kind of crowdsourced data and information. So Centre Pompidou will launch this technological aspect when the two others have ended.

We have to notice that contemporary art is not the best treated theme on Wikipedia: the project is to improve it. So, it’s necessary to work on this before using data on the Centre Pompidou websiteof course: that’s the purpose of the second part of the project!

The workshops

This second part is actually divided into three parts.

  • First, there are workshops for audience. 20 workshops of 2 hours are planned, with classes about the interface and spirit of the free encyclopedia, and classes about the writing of contemporary art texts dedicated to audience. There will be a lot of visits with curators and documentation prepared by librarians from Bibliothèque Publique d’Information and Bibliothèque Kandinsky. The program is as important as a university cursus but each participant can personalize it, picking up classes from his needs. They will also choose the subject of the article from a large list of works of art from Centre Pompidou collection.

    The first goal is to write 50 articles on Wikipedia, including 2 “good articles”, and 2 “quality articles”. The second goal is to observe the dynamic of the group, the involvement of each participant, and how it’s possible to make quality contributors from basic public.

  • Second, there are workshops for Centre Pompidou professionals. They will be focused on different forms of publishing, including digital publishing. The group will ask a lot of questions with case studies: what is the impact of collaboration on publishing? Is it possible to use creative commons and other free licenses on the publishing activity, even on paper? Can we imagine a new business model for publishing while the business model for the Internet is beginning to be dominant?

  • And a last part was added recently, to compare the first kind of workshops with more traditional ones. It will involve researchers linked to Bibliothèque Kandinsky, the library of the museum for people with accreditation. It will be composed of just 5 longer workshops, including a short moment of learning of the interface like in the others. The subject of articles will be 10 former Centre Pompidou exhibitions. So these last 5 workshops will be more strictly framed and composed by professionals or future professionals, so it will be very interesting to compare dynamics of collaboration during these workshops.

The Conferences.

Workshops are a very important part of the project, but another one is conferences : they are important steps in the project! Each conference is composed of two moments: the first is a balance sheet of workshops, and the second is a theorical approach to the theme. For example, the second conference will be about publishing and will begin showing the results of the professional workshops. After, 3 specialists from the the publishing industry will debate on a round table.

The first conference, last week, was about digital labour and Louise Merzeau (professor at Paris X University), Antonio Casilli (Professor at ParisTech) and Henri Verdier (director of Etalab) debated about changes and benefits of the collaborative work for cultural institutions.

The last conference will be about the “digital forgotten”, to ask if an institution dedicated to preservation and curation can use the Internet to reach it’s goals.

Conferences are a way to interrogate the new and massive adoption of collaborative projects. It’s particularly important in France, when culture is still a part of the legitimate and dominant class, instead of temptatives of democratization.

As the architect of this project…

I’m really proud that Alain Seban, President of Centre Pompidou, encourages it. It’s a part of the idea of a digital Centre Pompidou, an area where publics can find personalized information about art, at any moment. This digital Centre Pompidou will include different interfaces, like the web site, the future app, digital and social networks and so on. The project is an important step in involving publics in the production of contents and in creating a polyphonic area, where the voice of the museum will be added to the voices of users. It will be an area with different points of view where anyone could find any information, fitted to his needs and his abilities to understand any kind of language.

There are a lot of things to say about it yet, but I think the most important is to know how significant the opening of such an institution, is considering the work of non-professionals and even art lovers.