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De l’autre côté de la fracture numérique…

Selon la place qu’on occupe, l’accès au numérique se pense de manière différente. L’homogénéité des populations cibles n’est pas toujours une donnée à laquelle on peut se raccrocher. Par exemple, lorsqu’on traite du numérique culturel, on se trouve souvent proche d’une population socioprofessionnelle homogène, ou au moins avec des aspirations communes. Engager ces populations dans le numérique n’est pas toujours une chose aisée, y compris d’un point de vue matérialiste ; il ne reste cependant souvent qu’à donner une pichenette pour enclencher un processus en germe.

Mais la cible d’un projet numérique n’est pas toujours celle-là, et plutôt que de les approcher via des pratiques communes vous pouvez avoir besoin de les approcher par des données géographique : c’est le cas quand vous ciblez un territoire, et là, l’affaire est bien différente ! L’investissement des populations dans ces pratiques numériques n’est plus du tout un horizon commun et peut même être un facteur de différenciation fort entre les sous-groupes de cette population, selon les cas. Toujours d’un point de vue matérialiste, cela se concrétise par une disparité dans l’équipement… une fracture de l’équipement numérique.

L’équipement pour soi ou pour la communauté ?

Les quelques lignes que j’écris ici sont un court questionnement à propos de ce que doit être le travail des autorités publiques, notamment à l’échelle locale, dans la réduction de cette fracture. Je reviendrai plus tard sur l’a priori qui consiste à dire qu’il faut que les populations accèdent au numérique – ce sera un débat en soi, à n’en pas douter.

On peut tout d’abord se poser la question du type d’équipement dont l’accès doit être rendu plus facile : doit-il être privé ou public ? Forcément, il est des données à prendre en compte : l’équipement privé a déjà beaucoup progressé pour atteindre en France un taux maximal dans certaines CSP concernant par exemple l’accès à internet. Ainsi, privilégier l’équipement purement public pour les autres CSP reviendrait peu ou prou à faire de l’accès à celui-ci un marqueur discriminant. A moins d’en valoriser l’usage collectif, autour de pratiques qu’il reste à inventer et pour lesquelles il faudrait faire un gros travail de construction symbolique. L’enjeu est de taille mais me semble extrêmement intéressant, notamment car un usage de l’équipement public pourrait permettre de repenser une partie de la question du tracking sur internet, en lien avec le concept de big data : la donne serait bien différente si du jour au lendemain l’économie du web se voyait privée de sa ressource la plus importante, à savoir les données personnelles. Non pas que ces données disparaîtraient, mais l’usage collectif pourrait impliquer tout à coup un contrôle individuel de celles-ci.

Reste à définir ce que pourrait être cet usage collectif : l’idée d’un réseau pervasif, fait d’écrans sans cesse disponible, peut créer un imaginaire fécond. Cependant, ce type de réseau repose pour l’instant sur des écrans individuels… Sans avoir donc réglé la question du symbolique, on en retour très vite à la celle matérialiste de l’équipement, de l’investissement.

Le retour sur investissement

La question du financement de l’équipement, qu’il soit public ou privé, est de fait un point important. Si l’équipement privé, même subventionné, peut paraître moins coûteux à la collectivité, cela ne semble pas une donnée pérenne. En effet, le coût de fonctionnement d’un dispositif de subvention pourrait être lourd si l’on choisit de créer et contrôler des critères d’accès qui en éloigne les CSP+ – notons d’ailleurs que cette ségrégation peut aussi être discutée. D’autre part, si l’équipement privé devient obsolète trop rapidement, le financement est à perte et aucune économie d’échelle n’est possible. Sans compter que les choix privés d’équipement peuvent suivre des logiques très différentes qui ne construiront pas un paysage homogène et poseront donc des problèmes lors du déploiement d’une vraie stratégie industrielle autour des usages du numérique.

Je ne reviendrai pas longtemps sur le coût qui incomberait à une équipement public, qui me semble assez évident, tant du point de vue de l’investissement initial que de la maintenance de celui-ci. J’avoue qu’en réfléchissant à certains leviers, comme celui de l’école, cette stratégie me semble viable au moins dans un premier temps pour réaliser des études et des test grandeur nature. Je m’inscris cependant tout de suite en faux quant aux politiques d’équipement publiques qui consistent à donner des iPad et autres ordinateurs aux lycéens ou collégiens ! Si l’initiative mérite qu’on s’y penche pour l’étudier, elle manque de finesse : quel est réellement l’impact à court, moyen et long terme dans l’usage numérique des bénéficiaires et des familles ? D’autre part, quel est le poids symbolique de ce « cadeau » venu de l’institution là où certaines pratiques numériques se réalisent justement pour ces adolescents dans ce qu’ils imaginent (à tort ?) comme un non-lieu émancipateur.

Prenons garde en effet à ne pas considérer les seuls coûts économiques lorsqu’on parle du bénéfice d’un investissement !

Loup et bergerie ne donnent pas un compte de fée

Si l’on prend encore un peu de recul sur le sujet, que ce soit dans une perspective d’équipement public ou privé, il reste évident qu’au moins dans un premier temps la réduction de la fracture numérique permettra d’engager les citoyens dans les logiques actuelles des équipementiers d’une part, et des entreprises commerciales du web d’autre part.

Le premier point, tout d’abord, pose question. Ainsi, la réduction de la fracture serait-elle possible et souhaitable dans ce contexte ? Est-ce à l’état d’investir (indirectement) dans la viabilité économique de ces sociétés ? Doit-on encourager les citoyens à aller vers une pratique qui leur demandera à terme un investissement financier de plus en plus important ? Je ne pense pas qu’il s’agisse là de fausses questions, même si elles peuvent paraître naïves. Il serait par contre naïf de ne pas les poser, et encore plus naïf de croire qu’on peut y répondre par la négative. L’environnement économique porté par l’Europe et le marché mondial basé sur la croissance ne nous y forcent-il pas ? En un mot comme en cent, soyons réalistes et constatons l’état du secteur : on ne peut pas y échapper. Mais le second point va permettre justement de considérer une ligne de fuite…

Car ce second point me semble plus intéressant, plus fécond ! En effet, inscrire les citoyens dans les pratiques numériques en leur permettant matériellement d’y accéder, ce n’est justement pas les convier en tant que spectateurs mais en tant qu’acteur de la construction d’espaces qui restent encore majoritairement à structurer. Bien sûr, les dynamiques dominantes pour toute personne qui ne possède pas un minimum les codes du web restent les logiques commerciales (à l’œuvre également en dehors de cet espace numérique). Mais tout l’enjeu de la réduction de cette fracture numérique serait justement de continuer à injecter des forces vives dans cet espace en mutation permanente, de lui permettre de se nourrir d’un pouvoir imaginaire issus d’une multitude qui « réenchanterait » le rêve numérique. On le voit autour des fablabs et autres lieux de l’économie créative qui n’arrivent pas encore à atteindre un seuil critique d’utilisateurs, hors de leur sphère d’influence logique : il est possible de se saisir des outils numériques et des cultures web pour créer des approches structurellement différentes de la politique, et par là des politiques.

Réduire la fracture numérique, territoire par territoire, par des approches non pas globales mais locales. Tel est selon moi le défi le plus important des cultures numériques activistes qui devraient réussir à atteindre la masse critique des utilisateurs, réalisant un renversement des systèmes de valeur en place. Du numérique culturel, créateur de symboles, au numérique industriel, créateur d’interfaces, il n’y a qu’un pas, qu’il faut aider tous à franchir.

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Joconde a le sourire un peu crispé.

Ce vendredi avait lieu la journée destinée aux professionnels autour de la base Joconde et des usages numériques dans les musées de France. Je n’ai pas pu assister aux présentations et débats du matin, mais j’ai retiré quelques étonnements et questions de l’après midi. Je ne parlerai pas ici en détail de toutes les présentations, aussi vous pourrez retrouver le programme de la journée ici.

Mais que regarde Monna Lisa ?

A entendre un peu les présentations, je me suis tout d’abord dit qu’effectivement la communauté museogeek n’inventait définitivement rien et que les principes simples de la construction collaborative de contenus avaient été inscrits dans certains projets numériques depuis plus de dix ans. L’exemple des Archives de Vendée forçait ce constat, où des 2003 trois millions de pages numérisées étaient disponibles et augmentées d’outils gratuits et externes à la plateforme pour inciter une utilisation des ressources, même si de l’aveu de l’oratrice, Emmanuelle Roy, la masse critique de participants n’avait pas encore été atteinte malgré une refonte et une intégration des modules participatifs dernièrement. Les enjeux des Archives concernant la participation ont été présentés comme étant les mêmes que les musées, mais peut-être sont-ils plutôt similaires à ceux des bibliothèques ? Car, plût à l’aura et malgré quelques craintes, le rôle du musée (conservation, patrimonialisation, et exposition notamment) restent bien ancrés dans l’esprit des publics. Avec l’arrivée de la numérisation des contenus et surtout de leur diffusion, c’est l’image du rôle des Archives et Bibliothèques dans leur mission d’accès aux contenus qui se voit rectifiée dans l’imaginaire collectif. Car si une certaine figure romantique du chercheur caressant le papier parcheminé d’un vieil état civil peut encore plaire et éveiller des vocations, les travaux qui nécessitent l’accès à de tels données se passent volontiers de l’imaginaire pour embrasser l’accès rapide aux infos utiles via le numérique ; le poids des 25000 connexions quotidiennes au site face aux 1000 lecteurs annuels en salle tend même à prouver la diversification des publics.

Les projets collaboratifs mis en place aux Archives cherchent alors à remplir, sous de nouvelles modalités, les missions de valorisation du fonds, d’encouragement de la recherche, d’amélioration du service aux usagers. Mieux, ils servent à faire de la participation des publics un moteur pour tout le secteur. Tout ceci se base sur une continuité de la pratique admise dans le secteur : la première étape de construction d’une communauté (d’un « réseau ») est en effet présentée comme une pratique fondant la démarche archivistique. Internet vient simplement augmenter le nombre de liens du réseau, fussent-ils des liens faibles. Ce nouveau public devait pouvoir accéder aux contenus facilement, en dehors des normes professionnelles, ce qui a obligé les Archives à proposer plusieurs interfaces d’accès sur le site, ou encore à accompagner cet effort documentaire d’un effort de formation tant auprès des agents que des publics (j’y reviendrai).

Un système de mutualisation et de production des contenus est également adossé aux ressources numérisées : on nous annonce que toutes les données sont validées a priori par un comité de validation qui veille par exemple au référencement. Il s’agirait de répondre a la demande de confiance qui lie l’usager et l’institution. (Hum, j’y reviendrai aussi)

Ce sourire, ce n’est pas juste la peur que quelque chose change ?

Laurent Manœuvre a ensuite pris la parole pour faire un tour d’horizon des pratiques, annoncé comme étant non exhaustif. Il entame son propos en expliquant que certaines institutions sont déjà engagées dans une démarche participative, mais souvent de manière très expérimentale. Parmi les enjeux de ces tests, on trouve la réutilisation (qui qualifie l’acte d’un internaute consommateur) et la contribution (où le statut de l’internaute devient celui d’un acteur et producteur). Deux pratiques intimement mêlées, aux logiques cependant différentes : « c’est un constat qu’il faut garder en tête au moment de la conception d’un site ».

En outre, l’orateur note que la réutilisation dans les musées concerne massivement les images. Détenir une image est une source de revenu pour les institutions, même (surtout) de petite taille. Lorsqu’il cède un droit d’utilisation, le détenteur de l’image devrait même s’assurer de la qualité de la réutilisation – il est cité l’exemple d’un musée américain qui autorise le téléchargement (gratuit) de ses reproductions en faisant signer des CGU indiquant pour seule restriction un respect de la morale due aux œuvres… Comme me le faisait remarquer ma voisine, Françoise Le Coz , nous apprécierons le concept de morale dans l’espace culturel. Peut-être la clef de ce concept est-il à trouver dans une notion que j’aime moi-même à rappeler mais que l’orateur aura lui-même évoquée: la détention de contenu est un enjeu de connaissance mais aussi de pouvoir. Dès lors, partager des contenus mais en limiter l’usage, quel qu’il soit, ne revient-il pas encore à imposer son pouvoir, et tout le système de valeurs qui va avec ?

En promouvant la diffusion des œuvres de manière un peu angélique, Laurent Manœuvre cite l’exemple formidable du Rijksmuseum (dont j’ai un peu parlé ici). Le constat ? Le web est saturé de reproductions dont la qualité est médiocre, qui semblent dénaturer l’œuvre elle-même. Pour contrer cela ce musée aurait simplement choisi de libérer l’utilisation de haute définition. Ensuite l’orateur cite la mise à disposition massive des reproductions par les musées américains, qui pourrait rendre l’art européen invisible sur le web. Un constat un peu alarmiste mais fondé, à mon sens. Ce serait en quelque sorte la continuité des politiques de luttes culturelles entre le Nouveau Continent et la vieille Europe qui ont réussi notamment à imposer le cinéma Hollywoodien dans les clauses du plan Marshall, et plus largement la culture américaine durant la guerre froide.

Derrière, le sfumato cache un horizon limpide.

Pourtant, ne nous trompons pas : le partage est dans le discours de chacun, de manière non-ambiguë depuis maintenant quelques mois à longueur de colloques. Certes, cela relève encore du discours, mais croyons en sa performativité. Ce ne sont donc pas les acteurs opérationnels qui bloquent le plus, mais dans pas mal de cas les ayants-droits qui interdisent ces usages pour les œuvres n’étant pas dans le domaine public, ceux-ci eux-même confortés par le manque d’ambition des politiques culturelles. Une attitude à rapprocher d’une part de la volonté de pouvoir citée plus haut, mais aussi d’autre part d’une grande méconnaissance des potentiels de ces démarches, voire une méconnaissance du droit tout court qui mène parfois à rajouter des couches de protections là où elles ne sont pas nécessaires. Facilitons ces usages, montrons quelques exemples de ce qu’on peut déjà faire dans le cadre du droit actuel et tentons de faire bouger ce « droit d’auteur qui est à la base de l’identité et de l’action du Ministère de la culture », plutôt que de nous auto-flageller sur un retard ou nous effrayer (même à raison) sur une stratégie anglo-saxonne d’acculturation particulièrement efficace.

Le discours semble univoque durant cette après-midi : la collaboration c’est fécond. Certes. Lors d’une prise de parole, j’ai peut-être décroché un peu car j’ai cru entendre un parallèle entre le bénévolat dans les pays anglo-saxons et la coproduction de contenus… Mais je ne peux pas croire que quiconque ait cru qu’ils fussent de même nature ! Eût-il pour cela fallu penser que la co-construction avait pour but de remplacer par le travail des publics celui des spécialistes… Las ! En y réfléchissant je crois bien avoir entendu plusieurs fois des allers-retours linguistiques entre les termes de professionnel et d’amateur… Je pense me souvenir dans les brumes d’un mauvais rêve que certains utilisaient même le terme « d’éducation ».

OK, j’en rajoute un peu dans l’outrance. Mais je me suis permis avec ma trop grande gueule de poser une question à ce propos : que cherchaient à démontrer les orateurs, dont beaucoup s’étaient exprimés en ces termes ? Pensaient-ils que le salut de la contribution était de faire dire la même chose à tout le monde ? La réponse n’a pas été totalement la même pour tous, mais un dialogue s’est engagé avec Laurent Manœuvre qui semblait assumer cette mission d’éducation des institutions culturelles, la continuité des modèles dans leurs fins. Pour moi, pourtant, l’intérêt du numérique ne réside pas dans l’adaptation (nécessaire) des politiques de médiation issues des politiques culturelles cherchant à éduquer le citoyen (on ne parlait pas de pouvoir tout à l’heure ?), mais bien dans l’apparition de la polyphonie, la perte de légitimité d’un sachant qui peut maintenant apprendre par le décentrement des points de vue et leur multiplicité. Une multitude de points de vue qui ne vient pas empêcher l’institution d’être dans une relation de confiance face aux usagers à qui elle fournit des contenus, au contraire : elle lui permettrait de pointer d’autre discours pour enrichir l’échange, faire comprendre les différences entre eux – en étant corporate, peut-être même de valoriser son propre point de vue.

Qu’est capable de nous dire Joconde ?

L’intervention suivante de Thibault Grouas a permis de revenir vers les sujets sémantiques abordés en début de séance et, selon moi, de fournir là encore une réponse au soucis de mise en commun des discours que j’évoque : « Le web sémantique permet de donner accès au multilinguisme, pour relier les données équivalentes dans des langues différentes », « Internet est un outil qui permet l’actualisation, l’enrichissement et la variété linguistique ». L’enjeu porté par la Délégation générale à la langue française et aux langues de France est littéralement celle de la polyphonie, alors qu’il faut valoriser les 75 langues de France (langues d’outre mer et les langues régionales) : il s’agit de donner une autre dimension à celles-ci en les utilisant visa les données.

L’orateur a également parlé du « Joconde lab » à partir de la base contenant 300 000 notices avec images – justement, l’utilisation de ces images sera privilégiée pour permettre un accès multilingue via la sémantisation et le plurilinguisme sans développement d’interfaces spécifiques dans différentes langues. Si tous ces projets permettent dans un premier temps à chacun d’accéder à un maximum de contenus, il ne faudra pas oublier à un moment de créer des approches éditoriales différenciées, y compris dans l’appel à contribution ; à défaut, ces projets participeront du lissage et de la mondialisation de la culture. Une ambition qui viendrait justement s’inscrire dans un rapport mondial conflictuel où ces expérimentations permettraient de nourrir les projets industriels du ministère de la culture, via le schéma directeur de systèmes informatiques qui favorisent les projets de sémantisation.

A cette conférence, je n’ai croisé aucun museogeek. On pourrait se demander pourquoi ! Car, enfin, ont été exposées ici les mêmes tensions, se sont noués ou dénoués les mêmes enjeux que dans n’importe quel autre événement autoproclamé « museogeek » : le rapport des dispositifs numériques aux précédents, la mise en avant du potentiel de la prise de pouvoir par les usagers et la dénégation de son intérêt, les enjeux économiques et politiques que le numérique implique en France et bien au-delà, l’inscription de ces pratiques dans un habitus professionnel… Mais on pouvait surtout lire en filigrane chez certains la volonté de reproduire ad libitum et ad nauseam les politiques culturelles françaises, allant de paire avec la formation d’un citoyen, bon républicain univoque. Le numérique culturel est encore à la croisée des chemins, aucun modèle ne semble plus évident qu’un autre : il faut, encore et encore, suggérer les apports d’un véritable modèle collaboratif où les publics sont aussi légitimes que les institutions, dans un dialogue des uns avec les autres…

Le Community Manager est-il toujours une bête politique ?

Il y a encore des gens pour se poser la question du rôle du Community Manager… Et tant mieux ! Car si celle-ci est un peu passée de mode, force est de constater qu’elle est toujours d’actualité et que, surtout, elle n’a pas été correctement traitée.
Car enfin, que le Community Manager s’occupe de la marque, crée de l’engagement, réponde aux exigences techniques des plateformes sociales, effectue une veille numérique, traduise la stratégie de la marque sur les platerformes externes, élargisse le public ou la clientèle, serve de SAV,… bref, quelles que soient les missions, les vertus ou les quelques défauts qu’on lui accorde, le Community Manager n’est à mon sens pas suffisamment vu comme l’agitateur politique d’une communauté qu’il ne contrôle pas. Je vais tenter de m’en expliquer ici, en prenant particulièrement en compte le contexte des CM travaillant dans le milieu culturel bien que la réflexion puisse déborder ce cadre.

Des douze petits travaux aux grandes perspectives.

Si cette approche vous parait ambiguë ou idéologique (ouais, je suis sûr que certains le pensent), je vais partir d’un des rôles qu’on attribue classiquement au CM dans ce contexte : celui de curateur de contenus. Bon, je suis sûr que vous n’avez rien à redire là-dessus, car dans la bataille féroce que les institutions mènent dans le contexte d’une économie de l’attention sur-sollicitée, il est sûr que le Community Manager est sans aucun doute une arme efficace pour donner du sens et prioriser l’infobésité ambiante.
Mais déjà un présupposé essentiel de l’action du Community Manager dans ce rôle apparait : l’abolition du dispositif spectaculaire que représente la scénographie muséale (Eh, quoi ? Qu’elle soit plus ou moins interactive, avouez qu’une scénographie vous enjoint rarement à tâter du marbre des sculptures antiques – faites sans imprimantes 3D – ou manipuler d’antédiluviens gramophones – l’iPod de l’époque… Il s’agit donc bien d’une mise à distance du visiteur, d’un dispositif du spectacle). Or, justement, même si le mouvement est encore trop peu présent dans nos médias culturels numériques, cette manipulation devient un enjeu important : depuis le zoom, niveau primaire et nécessaire qu’on retrouve souvent sur tablette (la RMN a montré l’exemple), jusqu’au studio de création (le RijksMuseum en fait une démonstration tonitruante), en passant par l’accessibilité des données (pensons à la BNF), le mouvement d’une disponibilité numérique de l’œuvre est en marche.

Et sur ce point, permettez-moi de citer Jacques Rancière, pour faire un parallèle entre ce mouvement de disponibilité numérique non spectaculaire des données et ressources culturelles, et la réforme du théâtre dont il explique le rôle dans Le Spectateur émancipé à travers l’exemple de la performance notamment :

« Car le refus de la médiation, le refus d’un tiers, c’est l’affirmation d’une essence communautaire du théâtre comme tel. Moins le dramaturge sait ce qu’il veut que fasse le collectif des spectateurs, plus il sait qu’ils doivent en tout cas agir comme un collectif, transformer leur agrégation en communauté. »

Rancière propose ici un rapport entre le producteur de contenu (ici, l’artiste même, sans médiation donc, mais aussi sans industrie de par la nature du théâtre d’une part, mais aussi la casse du dispositif spectaculaire lui-même) et sa réception. Pour ce qui est de la libération de la donnée culturelle, on ne pourra pas dire qu’il existe un grand dessein commun, n’est-ce pas ? Ce n’est ni Etalab, ni l’Acte II de l’exception culturelle ni enfin Hadopi qui nous aurons donné des axes de travail.

Le rapport d’appropriation dont parle Rancière se fait dans la collectivité de la réaction à l’œuvre, dans un dessein qui s’agence socialement par la proximité des corps. Si on en revient sur la création d’un public de manière classique, on peut rapprocher cet effet de proximité de ce que le Community Management vient aider à la création d’un public dans l’espace numérique – un espace qui semble moins propre en premier lieu à lier les corps.

 

Les publics ? Ils sont légions !

Un peu plus loin dans le même texte, on peut lire ceci à propos de la différence entre la capacité du théâtre à être communautaire face à celle de la télévision à l’être, par exemple :

« Ce quelque chose, je crois, est seulement la présupposition que le théâtre est communautaire par lui-même. Cette présupposition continue à devancer la performance théâtrale et à anticiper ses effets. Mais dans un théâtre, devant une performance, tout comme dans un musée, une école ou une rue, il n’y a jamais que des individus qui tracent leur propre chemin dans la forêt des choses, des actes et des signes qui leur font face ou les entourent. Le pouvoir commun aux spectateurs ne tient pas à leur qualité de membre d’un corps collectif ou à quelque forme spécifique d’interactivité. C’est le pouvoir qu’a chacun ou chacune de traduire à sa manière ce qu’il ou elle perçoit, de le lier à l’aventure intellectuelle singulière qui les rend semblables à tout autre pour autant que cette aventure ne ressemble à aucune autre. Ce pouvoir commun de l’égalité des intelligences lie des individus, leur fait échanger leurs aventures intellectuelles, pour autant qu’il les tient séparés les uns des autres, également capables d’utiliser le pouvoir de tous pour tracer leur chemin propre. Ce que nos performances vérifient […] n’est pas notre participation à un pouvoir incarné dans la communauté. C’est la capacité des anonymes, la capacité qui fait chacun(e) égal(e) à tout(e) autre. »

L’ultime référence se rapporte de manière très intéressante à l’espace numérique, où l’anonyme est celui d’à-côté, de distant et d’insaisissable, tant que le Community Manager ne l’a pas rapproché, ne nous l’a pas fait connaître (ou qu’on le connaisse déjà par ailleurs). Sur les RSN comme dans la vie, c’est finalement assez rarement qu’on va aborder celui qui a liké le tableau ou qui se délecte visiblement de sa contemplation en visitant l’exposition.

Le rôle du Community Manager n’est pas que d’animer la communauté. Cette animation a un rôle certain, au niveau de la marque, de la médiation, etc., je ne reviens pas dessus. Mais elle a surtout le rôle d’un dispositif spectaculaire : elle crée de l’émotion ou de la réaction commune et aura par là tendance à créer des liens interpersonnels que la distance numérique aurait empêché (osé-je dire la « solitude numérique », pour reprendre Wolton, sans y croire totalement ?). Le CM d’institution culturelle est donc un ciment communautaire, mais au fond pas de sa propre communauté. Il est le ciment d’une communauté qui le dépasse autant qu’elle peut dépasser sa propre institution, et pourquoi pas un jour carrément la déborder. C’est pourquoi le CM doit pouvoir également se sortir de sa propre communauté pour aller voir ce monstre qu’il a créé (Elle n’existera que s’il est bon dans la création de ce dispositif spectaculaire ! Sinon, rien ne ressortira du magma informe des sensations et réactions trop hétérogènes qui n’auront jamais réussi à créer des réactions quelconques).

Avouons que la création d’une telle communauté est difficile, surtout pour un CM qui travaillerait avec des matériaux très hétérogènes, ou encore des matériaux documentaires, etc. le CM devra avoir des approches logiques pour toucher au sensible – j’avoue que la mise en œuvre de ce projet me donne moi-même le vertige. C’est pourquoi l’on constate que pour mettre le pied à l’étrier, le CM aura souvent recours à l’expédient facile mais efficace de réunir physiquement les gens et de les faire boire (quand il le peut). Parfois, il les mettra aussi en contact avec les contenus qu’il est sensé mettre en avant et attendra de la puissance esthétique du travail présenté dans le cadre d’une scénographie dont il n’est nullement responsable, de l’évocation historique, de la force sociale des avatars culturels, qu’ils fassent leur effet sur ce petit monde rassemblé dans cet autre dispositif spectaculaire qu’est le musée.

Dans CM, il y a peut-être Média..

Ce n’est pas pour rien que les musées à l’heure du numérique ont un devenir média si fort ! Car le média est un dispositif spectaculaire qui cherche à recréer l’espace théâtral, l’espace initial du public qu’on retrouvait aussi il y a quelques siècles dans la lecture communautaire du journal. Que les médias aient ou non réussi à cet exercice est une question fondamentale, qui nous renvoie aux expériences de la TV connectée et… du Community Management ! Car, le devenir média de l’institution culturelle n’est pas celui d’un ORTF ou d’un quotidien dont les tirages s’effondrent : il est bien le devenir média-connecté, inscrit dans des flux nouveaux et des approches pervasives, où la culture irrigue le quotidien de nos vies (ah, avant-gardistes, voyez ce que le monde est (re)devenu !) et où l’on pêchera les quelques objets qui nous intéressent au moment où nous en aurons l’envie. Et si le CM peut réaliser une part de la curation nécessaire à la compréhension de ce flot, ce n’est là qu’une part infime de son travail dont la partie principale mais souvent encore ignorée est de produire un public (ou d’ailleurs une multiplicité de cette unité active qu’on appelle « public » au singulier et qui se différencie « des publics » segmentés de la médiation). Parfois, la création de ce public se fait sans le Deus Ex Machina du CM, mais alors il s’agit sans nul doute d’un élément exogène aux RSN qui y entre par la puissance de sa déflagration et vient, de lui-même, produire la réaction, le choc dont je parlais plus haut, qui crée le public. S’il peut être esthétique, il peut aussi être purement politique, comme on l’a vu au moment des révolutions du printemps arabe.

Économie culturelle : nouvelle donne de réseaux à redessiner.

En Octobre 2012, j’étais invité par Museimpresa à donner une conférence dans la banlieue de Véronne. L’association des musées et archives d’entreprises voulaient avoir un point de vue global sur la façon dont le numérique pouvait changer la valorisation du patrimoine.

Je publie ici la première partie de mon texte. Elle traite des évolutions globales du monde de la culture face au numérique. La deuxième partie traitera plutôt des impacts organisationnels tandis que la troisième partie sera un exemple de parcours utilisateur.

Que peuvent apporter les projets numériques au secteur culturel, à l’heure où celui-ci éprouve encore les plus grandes peines à en intégrer leurs logiques ? A travers quelques exemples basés sur le cas français (les  points de vue internationaux ont été donné surtout à l’oral) comme différents niveaux d’un même mouvement vers une nouvelle économie de la culture mondiale, je vais tenter de dresser un panorama des bouleversements qui attendent ou secouent déjà le monde culturel. Je tenterai également de rapprocher cet état de l’art du secteur culturel de celui d’autres secteurs ayant déjà subi le tournant numérique mais surtout je m’intéresserai à trois éléments d’un même paradigme : le public, le contenu et la marque.

Partie 1 – Économie culturelle : nouvelle donne de réseaux à redessiner.

Le monde de la culture est en pleine mutation ; mais celle-ci n’a rien de paisible. Attaqué par le politique, le secteur culturel doit se recomposer à partir d’éléments divers dont les héritages sont clairement distincts les uns des autres. Aussi bien les publics que les acteurs de la culture sont soumis à des enjeux parfois opposés qui décomposent les réseaux traditionnels et laissent la voie libre à de nouvelles façons d’agencer les mondes de l’art.

Le numérique doit jouer un rôle dans cette recomposition, car il présente une façon nouvelle de gouverner la société, de penser la chose politique. Les cultures numériques ne se cantonnent pas à quelques posts sur Facebook ou quelques twittes : elles sont une façon de recomposer l’espace public, elles modifient les façons de penser, elles permettent de recomposer des espaces nouveaux de l’action (qu’elle soit politique, culturelle, économique, etc.).

La mort des musées

Le secteur de la culture doit d’abord faire face à des contraintes économiques nouvelles, où les institutions n’ont plus le contrôle complet de la diffusion. La représentation des œuvres circulant librement, le rapport à l’art se modifie tendant à faire penser que l’aura des œuvres s’amenuise sans que les musées soient capables de la préserver. Pour compenser cela, les nouvelles formes de muséographie tentent de jouer sur le spectaculaire : les musées miment ainsi les lieux de l’Entertainment avec qui ils entrent en concurrence directe sans pour autant en avoir les moyens.

En parallèle et renforçant ce sentiment, on pourrait dire pour schématiser que dans les années 90 les musées ont cessé de remplir leur rôle de curation et ont tenté de dévoiler l’intégralité de leur collection : il s’agissait de répondre aux injonctions nouvelles d’un monde unipolaire où le citoyen-contributeur devait accéder aux biens communs. Cela s’est traduit par des tentatives architecturales plus ou moins réussies qui ont finalement mené à des impasses. Or, cet accès permanent est l’une des promesses du numérique.

Elle se réalise à travers la mise en place de bases de données regroupant l’intégralité des collections. Mais cela ne suffit pas : elle se traduit aussi par la mise en place d’interfaces numériques toujours plus élaborées qui s’inscrivent dans un réseau pervasif. De plus, ces interfaces deviennent personnalisées, rendant effectives les tentatives de s’adresser à tous.

La multiplication des points de contact avec les œuvres se fait donc sur plusieurs fronts : institutionnelle ou non, elle découle d’une conception nouvelle du bien culturel comme bien commun. L’outil numérique qui pourrait faire penser que l’œuvre n’a plus de sens ne doit pas empêcher de maintenir le discours de la présence d’une aura face à la réalité concrète de ces œuvres.

Evidemment, ces évolutions sont encore en cours et elles sont lentes : c’est le propre des institutions muséales que d’enregistrer les changements sociétaux dans la lenteur, pour les rendre pérennes. On assiste donc à l’évolution de ces interfaces entre le public et les fonds de manière disparate, et il est encore possible d’orienter ce changement dans un sens ou dans un autre.

Le devenir média des musées.

L’explosion de la frontière qui faisait du musée un lieu physique de curation autant que ce conflit entre la fonction documentaire de la reproduction et l’aura de l’œuvre, vont engendrer le besoin d’une nouvelle forme de mise en relation des contenus entre eux, et des contenus avec le public. A travers l’outil numérique, celle-ci va apparaitre sous les pratiques éditoriales dérivées de celles déjà connues et mises en œuvre par les institutions culturelles via leurs Éditions, leurs CD-Rom, leurs sites internet. Mais plus encore avec la multiplication des canaux de diffusion et le besoin de définir de nouveaux modèles économiques, les grandes institutions muséales vont tenter d’absorber les milieux encore vifs de la culture, car elles auront besoin des contenus qu’elles se mettront à diffuser. Elles créeront une identité discursive et assumeront leur devenir média.

Il est assez étrange de voir à quel point ce devenir média se fait en complète déconnexion de la TV connectée et a même du mal à intégrer les stratégies numériques. Cela est certainement dû au fait que les métiers de base de nombreuses institutions restent liés non à la diffusion des contenus, mais aux contenus eux-mêmes. La dématérialisation de ceux-ci qu’implique le devenir-média des musées engendre inévitablement une évolution de ces pratiques, qui n’est pas encore prise en compte dans les institutions muséales : là encore, le mouvement va être très lent et il faudrait une volonté politique, ou une force commune à plusieurs institutions, pour que les choses puissent se mettre en place rapidement. En tout état de cause, les structures privées et publiques profitent du même bassin d’emploi et sont donc ici plus qu’ailleurs liées à une politique commune. Une distinction s’effectuera alors entre les diffuseurs et les producteurs de contenu, choix cornélien devant lequel tous les musées ne se trouveront pas, faute de moyen identiques. Heureusement! Il faut bien que certains musées continuent à produire des expositions, des contenus à partir des fonds tandis que d’autres produiront du sens à partir de ces contenus (un sens répondant aux enjeux de la société, pourvu que ces futurs médias soient plus préoccupé d’une identité discursive que d’un audimat).

Les enjeux croisés du public et du privé

Outre l’aspect traitant des ressources humaines évoqué plus haut, le secteur public de la culture et le secteur privé entretiennent des relations étroites qui justifieraient une stratégie cohérente bien au-delà des querelles portant sur la marchandisation d’une activité ou de contenus que nous voudrions protéger. De nouveaux financements des projets culturels sont apparus et permettent des formes de collaborations inédites entre les entreprises. L’exemple le plus flagrant en est le mécénat. En France, les deux types de mécénat les plus appréciés actuellement sont bien évidemment le mécénat numéraire (financier,) mais aussi le mécénat de compétence. Celui-ci consiste simplement à ce qu’une entreprise intervienne directement sur le projet d’une institution en proposant son savoir-faire qui est essentiellement valorisé en retour par des dispositifs fiscaux.

Parfois, le mécénat se confond avec de la régie publicitaire (On a vu le musée d’Orsay afficher de grands placards publicitaires sur les bâches protégeant les travaux en façade), ou encore avec du sponsoring ou la vente de la marque (Le Château de Versailles a récemment été l’objet d’un jeu de la Française des jeux… et je ne reviendrai même pas sur le cas d’école que constitue la marque Louvre). Cet aspect conflictuel n’a pas encore, à ma connaissance, produit d’exemple dans le numérique…

D’autres formes de collaborations existent qui mettent directement en contact les entreprises avec les enjeux des institutions culturelles : il s’agit du Partenariat Public Privé (PPP). Celui-ci pourrait se résumer ainsi : le secteur privé supporte tout l’investissement d’un projet avec pour contrepartie qu’il l’exploite pendant une durée prédéfinie durant laquelle l’institution devra lui verser un loyer, sorte de remboursement de l’investissement qui couvre également les frais de fonctionnement. Je n’ai pas encore rencontré cette forme de financement dans les projets numériques mais j’imagine assez bien que les systèmes d’information derrière nos écosystèmes numériques pourraient le supporter. Imaginons le coût qu’engendre la création de ces bases de données où sont numérisés les fonds entiers d’un musée, ses archives, ses productions visuelles, ses productions éditoriales… Le PPP pourrait prendre en charge la mise en place de data center immenses, à l’heure où les réseaux de télécommunication permettent des transferts de quantité de données de plus en plus importantes et où les logiques de cloud computing mais aussi d’open data légitiment la mutualisation et l’interopérabilité. Nous devrions demander à la BNF ou à l’INA ce qu’ils en pensent ! Ces éléments techniques ne sont pas similaires les uns aux autres, bien sûr, mais ils montrent une évolution des pratiques numériques dans une direction unique de centralisation des moyens et d’éclatement des pratiques.

Comment pouvons-nous considérer ces nouvelles formes de financement ? Devons-nous les importer dans le secteur du numérique ? Et quel intérêt peuvent-elles avoir pour les musées et archives d’entreprise ? Là encore, ces questions devraient être posées de manière consciente avant que la technologie que nous mettons en place les uns les autres de manière individuelle ne nous force ou ne nous empêche à prendre en main l’évolution de notre secteur. Il me semble que les bibliothèques publiques en France et à travers le monde réussissent mieux à coopérer sur le modèle qu’elles constituent au jour le jour : qu’attendons-nous ? Ne laissons pas l’enjeu de la marque muséale et les contraintes liées à la marchandisation du secteur détruire le terreau dans lequel s’étend pourtant ses racines.

Le marché de l’art : galeries, musées et autres lieux de monstration

Le monde de l’art en mutation va de plus en plus devoir négocier son financement avec les acteurs du marché de l’art. Cette mutation ne se fera pas de façon simpliste : elle s’imposera petit à petit par l’interpénétration des zones de monstration. Depuis plusieurs années déjà le monde de l’art se pose la question de savoir s’il faut que les musées d’art contemporain tel que le Centre Pompidou présentent des artistes émergeants dont le destin se joue à la faveur des galeristes. La question n’est pas à trancher ici. Cependant, elle illustre la possibilité pour toute une partie du secteur culturel privé d’établir des liens, d’étendre des réseaux que le secteur public se refuse à assumer.

Au-delà d’enjeux purement économiques de valeur donnée sur le marché de l’art, répondant à des logiques anciennes, il existe l’enjeu de la formation des étudiants en art : il représente une perspective pour créer des réseaux pris en charge par les fondations d’entreprise. Les stratégies numériques ne pourraient-elles pas être appliquées dans le cas des réseaux d’étudiants en art comme elles le sont dans le cas des réseaux d’étudiants d’économie par exemple ? Un modèle est à inventer et il est évident que le ciment du numérique de la génération présente actuellement sur les bancs des académies artistiques doit être exploité de sorte à composer ce nouveau rhizome professionnel dans lequel l’institution publique aura le plus grand mal à influer. Il s’agit d’imaginer comment la valeur va se transférer d’un lieu de pouvoir à l’autre, non pas par des flux financiers mais bien par la construction des réseaux de pratique, par les conversations (numériques), par l’aide à la monstration (virtuelle)… tant de petites choses qui précéderont la valeur du secteur ainsi construit au fil des années.

Depuis le musée, jusqu’à la galerie en passant par les centres d’art ou les collections privées, le marché a aujourd’hui imposé à de nombreux acteurs pour lesquels ce rôle n’était pas réellement défini d’entrer directement dans la production des œuvres. Le retour d’un art de la commande se fait de plus en plus sentir et nous quittons le modèle qui a mené à structurer le monde et le marché de la culture que nous connaissons actuellement. Sans dire que nous devons renoncer à l’indépendance des artistes et ne pas l’encourager, on voit que des silos sont à construire : il suffit de les rendre cohérents dans un nouvel espace, celui du numérique.

Retrouvez bientôt la troisième partie et consultez la deuxième (« L’itération ou la grand-messe ? »). Pour être tenu au courant, vous pouvez suivre le hasthag #Véculture ou directement mon compte twitter @gonzagauthier

Comprendre le numérique dans les musées en quatre exemples, deux enjeux et une règle simple.

Voici la version initiale de l’article demandé pour les News de l’Icom. Celui-ci a été publié dans une version légèrement modifiée que vous pouvez trouver ici. J’ai enrichi cette version de liens.
Bien évidemment, la cible et le but de cet article n’est pas un approfondissement, mais un tour d’horizon global destiné à faire comprendre quelques enjeux principaux du numérique, sans pouvoir tous les passer en revue.

 

Il ne faut pas avoir peur du numérique, et surtout il ne faut pas penser qu’il vient à l’encontre de ce que le musée a patiemment construit jusqu’ici. Pourquoi ? Tout simplement car le numérique est un outil et qu’à ce titre, on soulignera simplement qu’un outil permet de multiplier les actions de celui qui le manipule.

D’un problème de sémantique l’autre.

Ce que nous appelons « nouvelles technologies » nous accompagne depuis près de 20 ans. De toute évidence, la technologie n’est plus nouvelle, même si elle évolue sans cesse. Les exemples de ce que ces « nouvelles » technologies numériques ont déjà apporté à notre travail muséal sont très nombreux (pratiques d’écritures, échanges scientifiques, documentation, etc.). Mais ce sont là des usages anciens, alors que le numérique permettrait d’en penser de supplémentaires, en continuité des pratiques muséales des professionnels et des publics. Pour ce faire, il ne faut pas être tributaire de la technologie mais s’arrêter souvent pour évaluer son apport, sa façon de s’insère dans l’écosystème muséal… mais surtout, la façon dont les usagers des musées (les professionnels, les artistes, les publics, etc.) s’emparent d’elle dans leur rapport à l’oeuvre.
Il faut éviter de s’engager dans une course à la technologie qui n’a pas de sens. Parfois, le manque de moyens nous en protège, mais il est souvent une raison de ne pas s’engager du tout dans le numérique. Pourtant, il ne faut pas croire qu’il soit un frein à la construction d’un usage cohérent du numérique dans le respect d’un projet d’établissement. Le musée de la Blackitude du Cameroun, par exemple, développe un système de diffusion de contenus basé sur le CD-Rom (cf Les News de l’Icom). Échanges, démocratisation, reconstruction es identités locales… le projet a plusieurs facettes au-delà du numérique. Qu’aurait-on fait en occident ? Nous aurions proposé une base de données structurée de manière sémantique, stockée dans les nuages et disponibles par des flux d’open data. Vous trouvez que ce sont là des gros mots ? Assurément, dans le contexte précis décrit ci-dessus, il s’agit tout simplement d’obscénités : non pas qu’elles ne pourraient être utiles y compris au Cameroun, mais répondraient-elles aux usages particulier du musée ?

Un autre exemple de dispositif de médiation lié au contexte économique qui rende compte du projet d’établissement : celui de la cité delà céramique, qui semble vouloir prendre une orientation numérique avec des projets de site mobile préfigurés par la disposition de QR-codes in situ. Ce ne sont pas les seuls, mais l’adéquation remarquable entre les possibilités de la structure, le rythme possible de sa progression dans son évolution numérique, les contenus disponibles et le choix des technologies répondant aux capacités financières en font un exemple de l’équilibre que tout projet numérique devrait atteindre dans les moyennes ou petites structures muséales. De fait, la question des nouvelles technologies – je préfère dire des « nouveaux usages numériques » – n’est pas différente entre toutes nos structures. Il faut se demander comment les encourager dans leur rapport aux missions de nos structures.

Demain, le mot « musée » ne s’écrira toujours pas « 10110100010 »

Ces nouveaux usages ne peuvent s’aborder correctement qu’à condition de les comprendre comme une surcouche de données, non une redéfinition totale de ce qu’est le musée mais simplement un nouvel angle de vue tel que l’art lui-même a souvent voulu en offrir. Le language commun distingue la vie « réelle » de la vie « virtuelle » ; au-delà de l’erreur sur le vocable qui nous renvoie à des querelles platoniciennes, on y distingue effectivement deux couches qui constituent à présent un tout, l’approche hypermoderne de notre monde.
L’exemple le plus flagrant de cette approche est la réalité augmentée, comme celle mise en place par le Musée Mc Cord de Montréal, le Street Museum de Londres, et bien d’autres : il s’agit de créer une application sur smartphone grâce à laquelle les contenus de ces musées qui traitent des espaces urbains seront consultables au coeur de ceux-ci ! Ces démarches viennent donc ajouter une couche de contenu à une expérience « réelle » de la ville, sans pour autant remplacer la nécessité du musée, un centre de production des discours qui a pour but de valoriser des contenus et de les préserver. Mieux : ce type de démarche a pour ambition de faire venir les publics au musée, dans la mesure où la consultation digitale des oeuvres n’a jamais pour rôle de remplacer le rapport physique à l’oeuvre, à l’objet, ou à tout autre avatar culturel qui constituent nos fonds.

Plus près de toi mon oeuvre.

Exploitant ce lien physique/numérique, le Centre Pompidou développe actuellement un écosystème cohérent basé sur le rapport personnel au contenu. Celui-ci respecte la culture itérative du web en mettant d’abord en ligne un centre de ressources non éditorialisé de tous les contenus produits depuis 1977, structurés de manière sémantique et avec une ergonomie permettant à l’internaute de trouver un « chemin de sens » par le simple fait de cliquer. De plus, le projet se base sur une co-construction des outils et des expériences du contenus avec la communauté des amateurs d’art. L’idée qui sous-tend le projet ? L’institution ne peut pas imposer des usages, mais doit les construire en observant, analysant et évaluant la réponse des publics aux propositions qu’elle lui fait, avant de les faire évoluer. C’est cette démarche, permise par la nature des outils numérique, que le Centre Pompidou a engagé et qui replace le rapport à l’œuvre au sein de la relation entre les publics et l’institution.

Des publics pour qui le numérique est déjà une réalité quotidienne, prenant une place importante dans la construction heuristique du monde actuel. Les cultures numériques ont le rôle longtemps convoité par l’art : éveiller les consciences, être une fenêtre sur la réalité, une façon structurante de vivre le monde et notre relation aux autres. De manière cohérente à la façon dont les outils puis les usages numériques se sont constitués, personne ne contrôle cette évolution de la pensée et la manière dont les cultures numériques informent les esprits contemporains.
Ces cultures sont des enfants de l’hypermodernité ; ont-elles engendré un nouveau rapport de l’individu à la masse ou ont-elles enregistré ce phénomène et s’en sont nourri ? En tout cas, elles vont plus loin encore que ce que W. Benjamin anticipait : elles permettent à la conscience individuelle de s’articuler à la conscience collective via les avatars culturels qu’elle produit.

Conclusion.

La progression du numérique dans notre société est un phénomène qui ne peut être enrayé : il est une dynamique structurelle à laquelle les musées ne pourront pas échapper. Outil qu’il faut savoir adapter à ses besoins et ses projets, surcouche venant augmenter des missions déjà prises en charges par le musée mais également potentiel nouveau à exploiter, il n’y a sûrement qu’une règle de base à la maitrise du numérique : ne pas rester passif. En cela, le temps long qui est celui des musées est une chance : si elle s’en donne les moyens dès aujourd’hui, l’institution va pouvoir structurer des usages numériques de la culture qui permettront de poursuivre ses propres missions et de renforcer son identité face à des industries culturelles qui se sont laissé dépasser. Le numérique est avant tout le lieu de la stratégie… n’attendons plus pour en établir une.

L’institution culturelle sans le numérique ? Sérieusement ?

Ce billet fait suite à mon intervention dans le cadre du Colloque de l’AVICOM, à Montréal. Malheureusement, le dispositif que j’avais proposé à la suite de la publication de ma note d’intention n’a pas pu être tenu, faute de pouvoir réunir suffisamment de réactions écrites (beaucoup m’en ont fait par à l’oral – cette culture a encore de l’avenir malgré les twittes !)
L’intervention durait 15 minutes. Je ne vais pas vous faire croire que j’y ai dit tout ce qui suit. Mais la trame y était je crois – je préfère vous faire partager la version entière. Pour les curieux, je tiens à préciser que cette conférence avait été rédigée avant le lancement de nouveau site internet du Centre Pompidou (ceci étant précisé à toutes fins utiles).

Introduction :

Actuellement, le secteur culturel français doit faire face à des évolutions qui conditionnent son avenir. Il n’est même pas nécessaire de parler des enjeux politiques actuels qui font suite à l’alternance au sommet de l’Etat, dont on aurait pu penser qu’elle redessinerait à terme le paysage de l’action culturelle. Les perspectives des bouleversements à venir, entamés depuis plusieurs années et reflétant inévitablement le sens global de nos sociétés occidentales, sont largement suffisants à dresser le panorama nécessaire à la conduite de ce petit exposé.

Car, un fait essentiel préside à ce que le numérique prenne de plus en plus de place dans les structures françaises : l’injonction à la recherche de fonds propres. Comme dans le secteur universitaire français par exemple, cette nouvelle économie est le reflet d’une nouvelle stratégie de gouvernance globale : l’université doit maintenant se financer de manière « autonome », nécessitant une « autonomie » nouvelle dans sa gestion. La culture ne sera pas en reste. Si les dispositifs nécessaires à cette « autonomie » n’y ont pas encore pris place, nul doute qu’ils seront inventés (importés ?) dès qu’ils deviendront absolument nécessaires – l’entre-deux actuel n’était pas propice à la prise de décision rapide.

Que l’on soit partisan ou non de cette gouvernance à venir, il est un fait : le secteur culturel va devoir se construire avec un demi-frère qui a déjà pris des dispositions quant à sa survie en milieu concurrentiel : le secteur de l’entertainment. Sa part d’héritage du au secteur de l’économie de marché lui donne un avantage non négligeable d’innovation qu’il nous faut réussir à acquérir en peu de temps.

Entre 3D, Tv connectées, transmédia, livres numériques, apparitions des smartphones et tablettes, etc. qui pourra nier que cette inventivité se trouve du côté du numérique et au coeur de l’expérience utilisateur ? Voilà le défi que devront relever médiateurs, conservateurs, administratifs, artistes, galeristes, et autres gens d’une culture dite « légitime ». Eh, justement ! Le mot « légitime » est l’héritage de la structure bourdivine de la culture française, de Malraux à Mitrerand en passant – avouons-le – par Lang. C’est par cette façon de penser le secteur de la culture qu’il nous faut commencer – c’est par là que les réseaux sociaux nous aident à agir.

Permettre le re-empowerment

Je dois l’avouer tout de go, mon introduction s’inscrit dans un contexte historique bien plus large : celui de la République. La construction révolutionnaire du musée français, basée sur des dogmes bourgeois et des principes d’universalisme, a essaimé si fort et si loin dans le monde occidental que ses avatars seraient presque difficiles à distinguer s’ils n’étaient pas teintés des particularismes locaux et adaptés aux objets exposés (la moindre des choses, au fond). Le projet politique a presque disparu derrière les règles toujours plus nombreuses qui doivent présider à la conservation et à la monstration ordonnée des œuvres.

Pourquoi les choses évolueraient-elles à présent ? Comment cette narration, tout à coup, serait-elle perturbée ?

Je me fais souvent moquer par certains lorsque je le rappelle, mais il ne faut pas oublier que même en 2012 de nombreux musées n’ont pas encore de site web. Pas même un site vitrine. Les sites de grandes institutions qui brillent par la qualité de leurs accrochages ou de leurs expositions sont parfois encore cantonnés à la rubrique « culture » d’un site municipal. Un fossé immense se construit sur le plan du développement numérique entre ces structures et d’autres, plus ambitieuses en ce domaine, qui explorent les possibles d’un monde numérique – voire d’un réseau pervasif en devenir – et développent des projets structurants. Ces grandes institutions sont bien évidemment – et c’est une profonde tristesse que de le dire – principalement celles qui ont les moyens d’investir. D’autres structures plus petites ayant des visions tout aussi intéressantes du numérique investissent plutôt les réseaux sociaux. Dans ces deux cas, il s’agit souvent d’une volonté émanant des deux extrêmes de la chaine de travail des structures culturelles : la volonté de s’impliquer dans les réseaux sociaux est immanente, en lien avec la connaissance empirique des publics, tandis que le besoin de digitalisation de l’institution culturelle est un phénomène descendant, répondant à la hiérarchisation des prises de décisions politiques.

Cette digitalisation de l’institution culturelle est un processus long et complexe dont la réussite dépend de sa capacité à innerver l’ensemble de la structure. Cet impératif justifie à lui seul que, contrairement à ce qu’il eut été agréable d’imaginer lorsqu’on connait bien les cultures numériques fortement décentralisées, les injonctions de digitalisation des processus culturels viennent du haut de la hiérarchie. Cela est en fait tout à fait bénéfique pour les structures anciennes qui souhaitent évoluer – gageons que les structures nouvelles (oseré-je citer la Gaité Lyrique ?) sauront inventer des modes de gouvernance alternatifs lorsque celles-ci ont des ambitions numériques.

Le Centre Pompidou s’est engagé dans un tel processus depuis la présidence d’Alain Seban. L’ambition numérique a été hissée au rang de « projet stratégique », donnant un souffle extraordinaire à celle-ci. Et, croyez-moi, ce soutient était nécessaire. J’ai déjà eu l’occasion de dire que pendant les 3 années durant lesquelles ce projet a fait l’objet d’un véritable travail transversal entre les équipes  du Centre Pompidou, l’envie de numérique a remplacé la peur du numérique. Je crois que notre environnement et notre culture particulière, voulue dès notre ouverture en 1977, a facilité cette approche numérique transversale : même si les années ont renforcé une structure contraignante, nous n’avons jamais perdu de vue le dessein d’un culture qui ne souffrirait aucune frontière dans sa façon d’apparaître au public.

Le projet du nouveau site internet a été structurant pour la digitalisation du Centre Pompidou qui est à venir. Car ce projet est à mille lieux du « site vitrine » que je citais plus haut : il s’agit de mettre en ligne tous les contenus du Centre Pompidou produits à destination des publics. Imaginez le travail ! Depuis les archives jusqu’aux réserves en passant par les bases de données ou les étagères stockant des productions vidéo, des dépliants d’exposition, les maquettes du concours d’architecture, les grands moments du Centre Pompidou comme ses petits événements faisant la diversité de notre programmation… tout cela a du être numérisé ou re-numérisé lorsque les formats étaient devenus obsolètes. Mais ce n’est pas tout : il a fallu libérer les droits d’une production dont les auteurs sont souvent encore en vie ou pour lesquels les ayants droit ont tout pouvoir.

Cette immense production et celle à venir ne pouvait pas être simplement mise à disposition des publics sans que nous nous souciions de la façon dont ils allaient pouvoir y accéder. La structuration de ses données en sémantique a alors présidé à la construction du projet – et entrainé des chantiers techniques, des chantiers d’indexation et des changements de pratiques là aussi très nombreux.

Cela peut paraitre simple, résumé ici en quelques phrases. Mais le chantier est énorme et engendre des défis incommensurables. Le premier d’entre eux était de faire comprendre aux programmateurs que ce temps investi dans le numérique allait réellement profiter à toutes leurs missions – pour ne citer que le musée : aux missions de conservation, de monstration et de développement du fonds.

L’originalité du projet du Centre Pompidou était de ne pas se cantonner à la chaîne finale. Il fallait à la fois considérer les forces internes et les publics tout en respectant l’esprit du Centre Pompidou. Des choix difficiles ont été pris pour cela, comme celui de ne jamais produire à destination seule de ce site internet ou même de ne pas éditorialiser cet espace. Une idée qui a permis de garder à l’esprit que le numérique n’était pas une fin, mais bien un outil au service des publics fréquentant notre institution.

Un outil, oui : rien de plus – avec toute la noblesse, la savoir-faire et la complexité que cela sous-entend. Il possède une forte composante technique qui a nécessité un travail d’interfaçage complexe avec toutes les équipes du Centre Pompidou. Comme nous travaillions directement avec leurs données, ces équipes ont été des relais essentiels du développement de ce projet et, de proche en proche, se le sont approprié.

« Les données ». Voici l’autre point essentiel de ce projet ! C’est un enjeu global qui a été traité dans celui-ci. Certes, celles-ci ne sont pas encore libres dans notre cas. Elles ne sont pas exposées – les contraintes techniques et juridiques étant trop fortes pour que ce chantier soit mené de front avec les autres. Cependant, nous nous sommes mis en mesure de les rendre accessibles dans peu de temps à nos publics. Cette démarche est essentielle à ce que ceux-ci puissent reprendre le pouvoir sur ce qui est produit pas l’institution. Il ne s’agit pas seulement de montrer, mais vraiment d’en permettre la saisie.

En attendant, le fait de mettre ces données à disposition des publics ne suffisait pas. Nous avons également voulu mettre en place une interface poreuse, qui permette aux publics de réagir à ces données. Cette interface n’est pas suffisante en soi et nous avons mis en place là encore des dispositifs qui permettront son évolution rapidement. Il faut imaginer également comment estomper la frontière, tout en profitant de sa vivacité et de sa créativité. Car, toute la vitalité que porte le numérique en ce moment vient de la rupture du sentiment d’impossible face à l’institution. Le politique a déjà pris acte de cela (je ne me prononcerai pas ici pour dire s’il l’exploite à sa juste valeur ou non). L’entertainment exploite le nouvel imaginaire dans des productions qui atteindront bientôt une perfection formelle difficile à égaler. Le monde de la culture doit prendre acte du fait que le web de demain, zone d’autonomie permanente couvrant les territoires du social et des données, donne la possibilité aux publics d’enfin jouir du pouvoir que celui-ci rêvait de leur passer. La culture qui libère doit d’abord être une culture libérée et accessible.

Aider à la mise en place d’un agenda culturel.

Le projet que je viens de citer est le reflet d’une volonté politique descendante. Il est l’illustration que les nouveaux projets numériques peuvent prendre en compte l’évolution de la médiation jusque dans l’organisation interne de l’établissement culturel et la mise en place de sa stratégie. Je crois que c’est l’étape ultime du numérique dans les institutions culturelles, l’étape ultime des politiques culturelles. Je ne sais pas si le Centre Pompidou y arrivera – il faudrait qu’il ne soit pas seul. Mais en tout cas, la tentative est belle.

Faut-il encore que nous donnions les moyens aux publics de saisir ces occasions. Le dialogue qu’entretiennent les publics avec les institutions culturelles répond exactement aux mêmes règles qui régissent les échangent sociaux : a priori, c’est un rapport de force. A priori seulement, car la médiation nous prouve que ce rapport de force imposé par la possession du savoir peut être atténué.
Le numérique nous permet d’aller plus loin. Il a démontré avec des projets comme Wikipédia – pour ne citer que lui, mais ils sont légions – que le savoir n’existait pas que d’un côté de l’écran.

Le savoir, lorsqu’il était imprimé, se diffusait. Mais ces feuilles serrés, alignés, tenues à bout de bras devant nos yeux, occultaient notre regard, empêchaient celui qui composait de voir celui qui lisait. L’écran lui a rendu la vue. D’ailleurs, on ne sait plus bien si un internaute se trouve devant ou derrière son écran.
Je ne vais pas cacher les mots : je parle bien de savoir situé. Alors que cette idée naissait, naissaient également les premiers réseaux. La structure postmoderne puis hypermoderne des outils numériques vient bouleverser notre façon de comprendre les phénomènes culturels et implique obligatoirement une évolution de nos modes de médiation. Lorsque la production des contenus peut de fait émaner de n’importe où et se diffuser rapidement, quelle que soit sa qualité, il ne s’agit plus de l’empêcher mais bien de l’accompagner. L’action culturelle envers les publics ne peut plus se contenter de leur montrer ce qu’est le bon goût, ce qu’est la bonne histoire de l’art, ce qu’est la culture légitime : elle doit à présent aider à structurer, accompagner la monté en qualité des pratiques des publics. Je me souviens des cours de sociologie de la culture où l’on cherchait à me faire comprendre que les musiques de chambres participaient de la culture non légitime mais pouvaient y amener. Aujourd’hui, nous devrions enseigner que les pratiques de chambre sont des pratiques créatrices. Nous pouvons les laisser prospérer de manière anarchique et espérer qu’elles mènent à quelque chose. Mais il faudra à un moment ou un autre évaluer ce qu’elles ont permis d’accomplir. A ce moment, nous nous rendront peut-être compte – je l’espère – que ces pratiques se sont fédérées et qu’elles ont constitué un contrepoint à cette culture enfermée dans les enceintes de nos musées. Des sortes d’institutions, moins rigides, agencées les unes aux autres sans créer de légitimité afin de rester vivaces, se seront constitué sur la base de ce que nous nommons « savoirs situés ». Des savoirs situés qui existent d’une communauté à l’autre, communiquent à travers les données et les réseaux.

Le Centre Pompidou s’est engagé dans cette démarche, mais il nous reste encore du chemin. Plusieurs exemples illustrent plusieurs tentatives de différents niveaux.

Nous avons d’abord mis en place les livetwittes (par exemple dernièrement sur Matisse). Cette pratique encore controversée auprès de mes collègues de la médiation consiste à vivre une expérience de contenus et à la partager instantanément. Le simple fait de structurer sa pensée plutôt que de la laisser vagabonder via le sentiment permet de revenir au contenu de manière ténue. Bien sûr, ce système est imparfait et il faut qu’il acquière notamment un devenir pérenne. Mais à l’heure où les institutions culturelles ont un devenir média évident (nous pourrions en reparler), placer le spectateur à la place d’un émetteur permet de déjouer cette focalisation et cette orientation du regard.

Nous avons produit des interfaces d’accès aux contenus ludiques, où la présence physique autant que numérique permettait de renforcer ce réseau. Ces interfaces étaient souvent événementielles jusque maintenant, mais à n’en pas douter elles sont des prototypes de futurs dispositifs pérennes. Ainsi, j’aimerais citer La Bataille du Centre Pompidou, jeu sérieux produit avec Florent Deloison – artiste travaillant notamment sur les jeux vidéos. La Bataille du Centre Pompidou consistait en un jeu d’arcade du type « Space Invador » dans lequel les joueurs téléguidaient collectivement un personnage détruisant les extraterrestres venus mettre à bas le Centre Pompidou. La manette de jeu était tout simplement Twitter qui, en plus de l’interface physique constituée par les écrans dans le Forum du Centre Pompidou était une interface où l’échange et la valeur pédagogique du jeu avaient lieu. Car le but était de sauver le Centre et de participer à sa reconstruction symbolique après l’attaque des extraterrestres en reconnaissant les œuvres qui se dessinaient derrière une reproduction du bâtiment. Ce dispositif nous a permis de comprendre comment nos communautés numériques pouvaient se transformer en visiteurs physiques, quels étaient les leviers d’attraction, et surtout la composition d’amateurs d’art parmi nos communautés.

Justement, la façon dont nous constituons notre communauté, en nous basant sur les contenus et les thématiques nous permet d’anticiper également la montée en puissance de ces savoirs situés. Pour ce faire, il nous faut croiser des outils de marketing, de sociologie et de médiation, dans une perspective hypermoderne : se baser sur la compréhension des dynamiques individuelles (monstration de soi sur Facebook, personnal branding, liens communautaires, exploitation des temps de loisir, etc.) et des dynamiques collectives (création d’un public réactif, engagement, pratiques collaboratives, déplacement des centres d’intérêt et des interfaces, etc.). Nous devons travailler sur un axe que la médiation traditionnelle nous reproche souvent : celui du renforcement de notre communauté, qui passe principalement dans un premier temps avant celui de son élargissement. Car, pour le Centre Pompidou, il est relativement facile de recruter dans cette communauté grâce à l’effet de marque – mais il est plus difficile de transformer l’attention en engagement. Il nous faut donc mettre en place des outils dont la base se comprend par les pratiques du CRM mais dont la finalité se rapproche des buts de la médiation, mobilisant tour à tour les concepts de marque et de contenus dans une relation triangulaire où le troisième pôle est celui des publics.

Nous avons tenté de synthétiser ces expérience dans une approche transmédia lors d’un jeu intitulé « Éduque le Troll« . Ce jeu initié à l’occasion de la venue de l’éminent théoricien du transmédia, Henry Jenkins, au Centre Pompidou proposait aux publics de suivre un jeu de piste à clefs à travers plusieurs lieux et plusieurs média. Il permettait ainsi de reconstituer une adresse postale à laquelle envoyer la preuve que le transmédia existe à un personnage sceptique (un troll). Cette preuve était symbolisée par une photo qui ne pouvait exister qu’après avoir consulté tous les médias impliqués dans le jeu (web, conférence, cinéma, presse, radio). Ce jeu transmédia était un méta discours et, honnêtement? C’était prématuré. Cette tentative nous a en effet montré que les publics n’étaient pas encore habitués à cette nouvelle façon d’aborder la culture. Cette tentative nous a montré qu’il n’y avait pas une rupture nette entre des générations précédentes et des générations actuelles face à la culture ; elle nous a montré que si rupture et incompréhension il avait, c’était au sein de nos institutions. Car le jeu a trouvé un écho auprès des spécialistes, mais il a surtout manqué de relai (avouons aussi que son principe était un peu complexe pour une première). Nous avons besoin, praticiens du numériques, de nous  nourrir des expériences de médiation qui nous ont mené à faire ce que nous faisons aujourd’hui. Nous avons besoin que ceux qui ont construit la culture d’aujourd’hui évaluent leur travail et nous en donnent les clefs. Le problème que nous avons à résoudre pour que les publics enfin puissent évoluer dans leur pratique et leur rapport à la culture est celui d’une fracture médiative entre ceux qui sont devant des écrans et ceux qui sont devant des livres.

Repenser les perspectives de l’action culturelle.

Jusqu’ici, mon discours a porté sur deux éléments : la façon dont l’institution structure la stratégie d’une nouvelle action culturelle décentralisée, puis la façon dont elle pouvait aider les publics à prendre part à celle-ci. Ma troisième partie va être prospective : faut-il préciser que je décrivais plus haut des situations qui se mettent en place, et non des projets déjà aboutis ? Ainsi, lorsque je vais parler de ce que pourra devenir le pouvoir des publics, je parlerai forcémet d’un futur, d’un possible.

Précisons donc d’entrée de jeu que nous avons besoin d’encourager ce possible. J’y crois fortement, sans que cela se base sur un dogme ou un prétendu sens de l’histoire qui nous forcerait à plus de démocratie alors que l’humanité gagnerait en maturité ou en sagesse. Non, je crois que la décentralisation des savoirs et la prise de pouvoir des publics que j’ai cités plus haut doivent être encouragés car nous sommes à une période où la brassage culturel intense détruit les structures issues de la modernité. Une tension politique s’exerce sur nos sociétés construites pour une pensée locale et une diffusion de l’esprit propre aux régimes des XVIII et XIXème siécles ayant forgés ceux du XXème. Nous aurions le choix et pourrions résister aux évolutions qui s’annoncent, refuser la dispersion des savoirs, la diffusion des pratiques… nous le pourrions, mais ce serait une erreur. Comme je le disais tout à l’heure à propos des données, pensons en disciple de Machiavel et assurons-nous de contrôler et d’encourager ce qui pourrait nous dépasser si nous l’ignorions. C’est à ce prix que nous réussirons à faire fructifier ce pour quoi nous nous sommes battus depuis des années, des décennies, des siècles : le patrimoine culturel occidental (je me refuse à l’appeler mondial tant nous avions jusqu’ici du mal à sortir de l’occidentalocentrisme malgré quelques tentatives notables et réussies).

Justement : qu’avons-nous fait durant ces décennies ? A nouveau : nous devons évaluer ce qui a été produite jusqu’alors. Cette évaluation doit perdurer et s’intensifier également pour les nouvelles pratiques. Il n’est pas imaginable de demander à nos prédécesseurs (je ne parle pas de génération) d’évaluer leurs pratiques sans évaluer les nôtres. Si la société numérique telle que nous la connaissons est un panoptique complexe dont il faut se méfier, nous pouvons aussi nous en jouer : utilisons les outils de la traçabilité pour comprendre quels sont les pratiques culturelles, pour évaluer les dispositifs que nous mettons en place par rapport à celles-ci, aux missions inchangées de nos établissements culturels et au nouveau contexte décrit plus haut.

Avant de conclure, j’aimerais que nous prenions le temps de nous intéresser à deux projets dont un ami et néanmoins collègue m’avait fait remarquer qu’ils étaient très proches. Ces deux projets sont « Fantasmons le Centre Pompidou » et « Muséomix« .

« Fantasmons le Centre Pompidou » s’inscrit dans notre démarche de co-construction : après quelques mois de développement de notre nouveau centrepompidou.fr, nous avons dû faire des choix quant à ce que nous aurions les moyens de développer dans le temps court qui avait été celui choisi pour la mise en place de cette première brique de l’écosystème numérique du Centre. Le constat était simple à établir : pour mettre en place une politique thématique et de contenus, il nous faillait des contenus ! Je ne reviens pas sur la démarche de mise en ligne des contenus citée plus haut. La priorité établie, nous avons également pris en compte l’échec relatif de certains projets communautaires d’autres institutions et avons décidé que nous ne voulions pas imposer des outils sociaux et des outils de contenus à nos publics : il fallait qu’ils nous en expriment les besoins de manière à les adapter à leurs usages. Le projet « Fantasmons le Centre Pompidou » est entièrement tourné vers l’expérience utilisateur des contenus et vient incarner la co-construction : les publics sont invités à réagir et à utiliser le module collaboratif expérimental déjà en place sur le nouveau centrepompidou.fr, ce qui mène à une étude de notre part. Adossé à ces données issues de l’expérience utilisateur, nous menons des ateliers avec des professionnels, des amateurs, des grands publics : à partir des ressources du nouveau centrepompidou.fr, nous étudions quelles sont leurs pratiques, quels sont leurs besoins. Enfin, d’autres groupes de discussion sont menés avec des professionnels et amateurs venus des horizons thématiques définis dans le cadre de notre activité (par exemple et de manière non exhaustive : l’open data, l’art contemporain, les phénomènes collaboratifs, etc.) : dans ces groupes, ils viennent avec leur histoire vis-à-vis des interfaces numériques et des institutions culturelles et nous en font part de manière à ce que nous imaginions des nouveaux projets, en collaboration avec nos collègues en interne. Tous ces dispositifs seront évalués par un laboratoire de recherche qui nous aidera à définir des cahiers de charges en vue de produire des prototypes qui serviront plus tard à mettre en production des outils ainsi co-construits.

Muséomix, quant à lui, investit depuis deux ans de manière annuelle un musée et tente de répondre aux nouveaux besoins de médiation en ces lieux : l’idée est de mixer les pratiques à travers la venue de non-professionnels pendant 3 jours de workshops intense. Là aussi, la recherche de l’interaction avec les équipes des musées venus accueillir des personnes extérieures est un but issu des pratiques web.

Je ne vais pas revenir sur les différences nombreuses entre les projets mais plutôt sur une ressemblance : elles permettent de repenser les perspectives de l’action culturelle. Elles ne se demandent plus ce que le numérique peut apporter, elles ne considèrent même plus le numérique comme une fin en soi. Non, elles prennent actes des changements que le numérique a apporté dans la gouvernance culturelle et parmi les plus importants : la nouvelle place des publics comme des acteurs des outils leur étant destinés.

L’art contemporain est plein de ces artistes qui ont tenté de transfigurer le banal ou de renvoyer l’art dans le quotidien. Je crois qu’ils ont échoué : c’est la culture, tout entière, légitime ou non, qui a envahi l’art. Et c’est l’institution muséale, gardienne du temple, qui va s’en faire le relai le plus efficace pour peu que ses membres ne prennent pas peur. Et, si je me réfère à l’exemple du Centre Pompidou, j’ai espoir que cette peur du numérique va être remplacée par une envie du numérique.

Faites entendre votre voix avec moi à l’AVICOM…

En octobre, je présenterai au colloque AVICOM à Montréal. Cette année, trois institutions françaises seront présentes : le musée du Louvre, le Château des ducs de Bretagne et le Centre Pompidou. Pourtant, la culture française se compose de tellement d’autres institutions, plus petites, dans ou hors de Paris, parfois extrêmement inventives, qui tentent des choses dans le domaine du numérique – on trouve aussi des expériences telles que Muséomix, dont je reparlerai bientôt. Elle se compose aussi de tout un réseau appelé museogeek, qui au quotidien écrit l’approche culturelle de demain.

C’est pourquoi j’ai décidé que ma tribune serait également la tribune de toutes ces personnes. Pour ce faire, je présenterai le point de vue de chacun via des QRcodes diffusés pendant ma présentation, qui donneront accès à une page de site mobile permettant de retrouver ces points de vue divers.

Pour composer cette page, je vous invite donc à réagir à la note d’intention que je reproduis ci-dessous. Faites-le de la manière la plus libre possible (réaction à ce que j’écris, nouvelle tribune, série de liens illustrant les propos ou les contredisant, etc.).
[PS : Merci C. Courtin pour avoir repéré mon erreur sur le nombre d’institutions françaises présentes]

Introduction :

Le domaine culturel français est façonné par des débats extrêmement structurants à propos de médiation et de démocratisation culturelle. A l’heure où son économie est en complète évolution, l’apparition des outils numériques ainsi que des cultures et pratiques Web permet d’aborder enfin ces questions en proposant des solutions innovantes autour de la réappropriation des contenus par les publics ; mais à quel prix?

Du point de vue de la grande institution pluridisciplinaire qu’est le Centre Pompidou – mais sans oublier la diversité des structures sur le sol français – , je tenterai de dresser un panorama rapide des besoins et contraintes que le numérique apporte aux pratiques professionnelles du domaine culturel. J’aborderai aussi les questions de la réception active par les publics : quelle décentralisation des échanges et du pouvoir lié au savoir? Quels modèles de création collaborative pour quels buts?

Note d’intention de la communication :

Mon intervention sera distribuée en trois parties de 5 minutes, permettant de prendre en compte trois angles de vue nécessaires à la bonne compréhension du phénomène numérique dans les musées français. En tant que membre d’un centre d’art, mon expérience permettra d’ailleurs de traiter de manière large de la façon dont les enjeux numériques prennent place dans les institutions culturelles françaises et non seulement les musées.

 

1) Permettre le re-empowerment.

L’histoire du musée commence avec la volonté révolutionnaire de créer un patrimoine culturel national, possession de tous les citoyens. Si le développement du domaine culturel a rendu cette utopie difficilement lisible à travers les siècles et même à l’aune d’une histoire de la muséographie et de la médiation, cet enjeu est de plus en plus vif à mesure que des mouvements théoriques justifient un aller-retour constant entre les phénomènes culturels et le quotidien des populations. On a pu constater combien le numérique facilite cet aller-retour.

L’apparition de ces enjeux constitue une période de transition importante que nous avons le devoir, en tant que professionnels du numérique d’institutions culturelles, d’accompagner et d’amplifier. J’aborderai la question de l’écosystème numérique en dressant un panorama rapide de l’état du numérique dans le domaine culturel institutionnel en France. Tout ceci aura pour but de montrer l’évolution que le numérique apporte à la question de démocratisation de la culture en France.

L’exemple que je traiterai alors sera celui de la mise en place de l’écosystème du Centre Pompidou Virtuel, autour d’une base de données exhaustive des ressources du Centre Pompidou et d’un espace personnel destiné à devenir une véritable plateforme de production collaborative et de personnalisation de la pratique numérique (et physique) des contenus. Les autres éléments du dispositif, qui créent la cohérence de l’expérience que le public aura de l’écosystème, seront traités au sein des deux parties suivantes.

2) Aider à la mise en place d’un agenda culturel.

L’apparition récente d’outils facilitant les tentatives participatives (réseaux sociaux, cloud computing, appareils mobiles, etc.) a créé une fracture médiative dans les pratiques institutionnelles. Même dans une institution comme le Centre Pompidou, qui a dès sa création cherché à mettre en place des politiques d’inclusion des publics dans les démarches artistiques (nouvelles formes de médiation basées par exemple sur les ateliers), on peut trouver deux postures très différentes.

La première s’inscrit en continuité des politiques culturelles qui, malgré une évolution dans les années 80, considèrent le rapport du public à l’art comme une découverte d’un monde étranger, basé sur la légitimité (présumée) de celui qui parle par rapport à celui qui écoute. Les partisans de cette approche utilisent relativement peu les outils cités ci-dessus et ont du mal à les aborder.

La seconde posture – qui conduit l’action numérique au Centre Pompidou – tire les enseignements de ces pratiques de médiation et opère un changement radical dans ses conceptions. De  nouveaux horizons d’attente des publics sont envisagés : en considérant ceux-ci comme des amateurs et en remplaçant la notion de légitimité par celle de savoir situé, il est alors possible de leur faire espérer un dialogue sensible et savant sur l’art.

Ainsi, cette deuxième posture permet de redistribuer le pouvoir symbolique habituellement attribué à l’institution culturelle et de renforcer l’agency des publics sur les politiques culturelles. Mais comment mettre en place et encourager cette nouvelle forme d’appropriation créatrice en conservant les missions liées à l’institution (conservation, diffusion, étude, etc.) ?

En traitant concrètement de l’approche pluridisciplinaire offerte aux publics, à travers l’évocation de quelques dispositifs, je tenterai ici de montrer qu’il semble possible de concevoir un rapport riche et complexe du public, de l’institution et des contenus, en respectant les enjeux ou missions liés à chacun des trois termes.

 

3) Repenser les perspectives de l’action culturelle.

Après avoir montré comment l’institution devait aider à l’émergence de nouvelles pratiques afin de les co-construire au regard de ses missions traditionnelles, il s’agira ici de se placer du côté des publics. Au travers d’exemples tirés des pratiques des publics du Centre Pompidou, je définirai ce que les pratiques nouvelles engendrent dans la création des contenus.

Comment la création collaborative peut-elle redessiner un savoir collectif ? Est-il différent du savoir institutionnel ? Est-il conditionné aux outils actuellement proposés ou est-il une construction immanente qui s’adapte en attendant que des dispositifs ad hoc soient créés ? Faut-il l’encourager ou est-il une force susceptible d’apparaître seule ?  Et dans quelles conditions ? Je questionnerai aussi bien les créations collaboratives, que les phénomènes de partage et de curation : la recommandation sociale concernant le e-commerce (que nous devons également considérer au regard de nos problématiques de ROI des investissements numériques) s’applique en effet aux contenus, créant une sorte de goût collectif des communautés agrégées autour de nos institutions.

D’autres formes d’action collaborative existent au-delà des contenus et du e-commerce : elles ont trait au financement direct, comme dans le cas du crowdfunding. Couplée à une capacité d’agir (agency) que l’institution pourrait renforcer, le crowdfunding pourrait à terme peser sur les perspectives de l’action culturelle de l’institution. Nous devrions nous demander dès maintenant, alors que nous structurons les habitudes sur les plateformes numériques, si celles-ci sont destinées à devenir des interfaces de pouvoir financier décentralisé. Le financement collaboratif sera-t-il dans le futur un financement sur lequel nous devrons compter, ou simplement une marque d’engagement fort ? Devons-nous agencer la production des contenus sur les modèles économiques nouveaux issus des impératifs numériques et des contraintes particulières du web de données (données brutes gratuites, licences nouvelles, éditorialisation payante, par exemple) ?

Ces questions permettront de repenser les perspectives de notre action culturelle sur le court, moyen et long terme, en développant des outils adéquats aux différentes missions données à ces plateformes numériques. Au travers des points de vues des professionnels, de l’institution et des publics, elles permettront de poser les bases d’une identification des publics dits experts ou amateurs, de définir les périmètres de leurs actions laissés libres par l’institution et ce que celle-ci devra leur mettre à disposition en terme d’outils et de contenus afin de remplir ses missions, traditionnelles ou nouvelles.

Google+ fait la manche ?

Google. Plus.

Deux mots qui ont fait couler beaucoup d’encre. Et qui pourraient à en faire couler longtemps. Ce n’est pas que je veuille prophétiser sa longue vie en m’opposant à nombre d’éditorialistes de la culture web, mais j’ai comme l’impression qu’au besoin Google le tiendra sous perfusion tant que nécessaire pour que la plateforme sociale devienne attrayante.

Cette semaine en effet, Google m’a ouvertement dragué avec quelques autres museogeeks. Le but était de proposer aux professionnels des musées que nous sommes d’investir la plateforme; au programme, nous devions découvrir les fonctionnalités de la plateforme et voir combien celle-ci était de toute évidence inévitable pour les institutions culturelles…

D’abord, on nous a vendu la puissance de google.

Je ne sais pas s’il est passionné par son sujet, mais en tout cas notre hôte avait envie de nous vendre son machin. Après nous avoir mis à disposition quelques ordinateurs google que personne n’a même daigné regarder, celui-ci a écourté le tour de table qui venait de commencer pour répondre au fil de l’eau aux demandes implicites de nos présentations. Ainsi, devinez quel argument massue nous a été ascéné, nous laissant k.o. et sans réplique possible face à l’évidence longtemps tenue éloignée de nos esprits endormis?  Eh bien : Google plus, c’est un outil de Google.

Face à une telle puissance argumentative, déclinée au fil de quelques exemples de la galaxie Google qui ont réussi, j’étais déjà consterné. Car, en nous présentant les quelques fonctions qui pourraient nous intéresser, on se rendait bien compte qu’au-delà de ce qui existe déjà et fait la qualité de Google, il n’y avait pas grand chose à voir.

Certes, les bulles – ces conférences vidéo proposées à ses cercles – vont connaître une évolution qui va en rendre l’usage plus simple… Mais au-delà? Avoir un Skype plus ne va pas me donner envie de dépenser du temps et de l’argent sur Google plus, même s’il fonctionne via le navigateur et permet de leurrer tous les firewall cimentés à l’acier plombé par les DSIT de nos institutions. Certes les conférences vidéos streamées en direct vont pouvoir être basculées automatiquement sur YouTube… Mais après?  Quelques évolutions qui aideront à coup sûr à la production d’un contenu directement sur la plate-forme. On le sait, dans la plupart des cas le contenu y restera, sans valorisation. De plus, je doute de la réelle qualité de celui-ci, dans la mesure où ces outils visent plutôt à l’instantané.

Ensuite, on nous a dit qu’on allait tous disparaître…

Quelque chose qui tient du secret de polichinelle a cependant relevé un peu la teneur de la présentation : l’activité de ses cercles sur Google plus va impacter les résultats de recherche de Google. On l’attendait, voilà qui sera fait dans peu de temps. Un résultat plussé sera bientôt visible en haut de la liste, et non pas simplement mis en exergue en restant à sa place.

En tant que museogeek et fervent partisan de l’ouverture du Web, je crains l’impact de cette nouvelle. Serons-nous bientôt tous contraints à vivre dans un univers clos où nos amis seront les seuls prescripteurs de nos goûts, de nos savoirs et de nos découvertes?  Allons-nous vivre bientôt un scénario digne des meilleures (ou des pires) romans d’anticipation où ce ne sera plus l’information et les contenus qui seront la clef du savoir, mais tout simplement son accès, la capacité à sortir du prémaché?! Vivrons-nous bientôt une expérience darwinienne teintée de bourdivisme, qui verra les contenus culturels se reproduire en cercles fermés jusqu’à l’épuisement, sorte de drame beckettien grandeur nature ?

En tant que professionnel du numérique à qui l’on peut demander d’augmenter le trafic du site, j’y vois un intérêt certain: une façon d’aller bien au-delà de la notion de recommandation sociale et d’invisibiliser la concurrence. Car, n’est-ce pas là aussi un risque fort pour les plus petites structures, que de disparaître face aux mastodontes du secteurs qui seront capables de mobiliser des moyens et du temps sur Google+ afin de valoriser leurs contenus au sein de ce qui représente, faut-il l’avouer, la plus puissante plateforme de curation  au monde? Il ne faut pas l’oublier, les premiers résultats de Google sont les résultats qui font loi pour une écrasante majorité des internautes.

J’avoue être assez contre cette idée dans la mesure où elle est un vrai danger pour la pluralité culturelle et la survie de l’accès à des contenus plus confidentiels. Très vite, nous verrons apparaître des castes capables d’utiliser les outils du Web et d’élargir leur savoir face à un grand public qui n’aura à sa disposition que du pré mâché. Une situation identique à celle qui a fait du formidable outil qu’était la télé une grande déception culturelle.

Le monde entier était contre nous….

C’est donc au chevet d’un mourant très combatif que nous avions été invités à petit-déjeuner. Un mourant membre d’une grande famille prête à le soutenir, une famille puissante qui a dû s’élever dans la société et imposer ses vues basées sur des constats intelligents et des stratégies en adéquation avec le quotidien et les aspirations des internautes.

Le mourant a donc un plan, et celui-ci passe par le contenu. Ou plus exactement, l’utilisation d’un contenu toujours plus abondant et qui vient des autres.

A plusieurs égards, on peut sentir que la stratégie de Google est très offensive en France. Et elle l’est particulièrement pour les musées. Le Google Art Project en est le premier avatar, dont on voit les premiers effets : une remise en cause profonde de la force collective des institutions. Non que cette force existât vraiment, mais au moins n’est-il plus possible de se leurrer: lorsqu’une entreprise vient dans les musées prendre les contenus et les diffuser pour elle-même sur sa plateforme, l’institution culturelle n’est pas capable de résister. Faute de quoi?

Peut-être d’une puissance économique crédible, basée sur autre chose que le fantasme de la collection inaliénable dont la beauté et la grandeur résistera à tout. L’un des patrimoines qui avait en Europe été auparavant attaqué avec une plus grande vigueur encore était celui du livre. Or, la résistance n’a pas seulement été à l’ampleur des enjeux, elle a été du niveau de l’économie à protéger – ou plus exactement des volontés politiques qui s’y sont toujours exprimées. Peut-être même avec d’autant plus de force que cette industrie était alors en retard sur son tournant numérique au moment où l’on pleurait celui manqué de la musique.

Le monde des musées prendra-t-il enfin conscience que l’un des plus grands enjeux qui se présente à lui, c’est non pas d’augmenter le nombre ou la qualité de ses contenus – c’est inscrit dans son code source, il ne peut en être autrement – mais bien de diversifier la façon d’y accéder.

A l’heure où l’Etat encourage la diffusion libre des données, l’institution culturelle a besoin de penser des écosystèmes plus complexes qui lui permettent à la fois de mettre à disposition gratuitement son fonds – j’englobe les données et les contenus dans cette notion -, mais également de proposer des expériences nouvelles.

On a la chance que le coup d’essai, transformé en coup de maître de Google, soit basé sur une technologie relativement dépassée en terme de pluvalue bien qu’encore plébiscitée par les publics. Qu’en sera-t-il lorsque Google proposera des expériences vraiment enrichissantes de nos contenus, mais à son seul profit?

…et nous avons répondu: « cause toujours ».

Il faut utiliser la force de Google, et notamment les aspects novateurs de Google+. Il ne faut pas les rejeter car ils peuvent être de véritables moteurs de notre médiation et de l’élargissement de nos publics, même si j’ai exposé ici des réserves fortes.

Mais justement, il ne faut pas que nous nous montrions faibles devant Google. Nous avons une force collective qui ne demande qu’à s’exprimer. Nous avons la puissance d’un modèle économique en gestation qui ne demande qu’à être incubé pour éclore. Ne laissons pas Google maîtriser ce modèle, déportant les revenus qui nous sont nécessaires à la réalisation de nos autres missions.

Ce jour-là, nous n’avons donc pas cédé aux appels de Google+, et nous avons engagé la conversation sur le terrain de nos intérêts propres.

Le fait que les personnes que nous avons rencontrées ne sachent plus totalement si elles nous avaient invités en tant que représentants de nos institutions ou représentants de nous-même montre bien combien Google a besoin des contenus que notre communauté professionnelle peut créer, de manière individuelle, collective ou institutionnelle. Ils ont un besoin dont nous avons la clef, mais nous avons aussi des envies d’équité dans le développement des outils et la répartition de leurs retombées. Ne fléchissons pas et imposons un échange, plutôt que de nous laisser dépouiller comme nous l’avons trop souvent fait, ravis que nos contenus se diffusent. Nous pouvons les faire se diffuser tout en ayant leur maîtrise commerciale – et donc le choix du modèle d’économie culturelle que nous voulons.

Rencontres du Clic : avons-nous compris les enjeux du numérique dans la culture ?

J’ai découvert le clic l’an dernier lors des deuxièmes rencontres nationales : ça avait été une journée pleine d’enseignements. L’intérêt majeur du clic porte dans le formidable réseau constitué, structure d’échange entre professionnels des musées et lieux de culture tournés vers les outils numériques, unique dans son genre; le petit plus résidant dans l’ambition de créer un dialogue entre les institutions publiques et le monde de l’entreprise vue comme un secteur d’innovation.

Les rencontres nationales du clic ont pour but d’engager un dialogue entre ces acteurs autour d’une thématique précise : cette année « avant, pendant et après la visite: les trois temps du numérique ». je me souviens avoir pensé l’an passé que le panel des musées manquait un peu d’ouverture internationale. Cette année, les rencontres nationales du clic ont pris cet air international avec la participation de Conxa Roda

 

Si je ne suis moi-même pas un fervent défenseur de la position internationaliste qui tend à faire croire que tout va pour le mieux ailleurs, ces interventions permettent d’avoir un regard différent sur des sujets communs – ce n’est pas négligeable quand il s’agit de tenter de constituer des réponses nouvelles à des problèmes rencontrés parfois depuis des années. D’ailleurs, pour preuve de cette foi infondée qu’on place dans les exemples étrangers, j’ai eu l’occasion de discuter avec Conxa Roda après la conférence : celle-ci m’a fait part du plaisir qu’elle avait de travailler avec un directeur qui comprenne les enjeux de son travail, comme une figure d’exception dans le panorama des institutions ibériques qu’elle aimait à suivre. Son intervention avait porté sur les stratégies RSN qu’elle mettait en place ; je l’ai trouvée particulièrement intéressante et utile, car elle nous a montré un exemple de stratégie pensée comme un tout, englobant un certain nombre de synergies essentielles que nous avons souvent du mal à enclencher, faute de réussir à imposer un regard transversal.

Conxa Roda n’a pas ouvert les rencontres, mais sa présence autant que les sujets qu’elle a abordé auraient pu être considérés comme une excellente ouverture. Car, au fond, ce que tentait de résoudre ces 3ème Rencontres Nationales Cultures et Innovation c’était ça: trouver de solutions nouvelles à un problème ancien qui est celui de la préparation et la continuation de la visite…

 

Des enjeux bien ciblés.

Peut-être est-ce cet angle (trop) nécessaire, ou la routine qui m’a un peu démotivé, mais je dois avouer que le programme m’a laissé un peu plus froid que l’an dernier. Il y avait à mon sens de très bonnes questions qui devaient être traitées; sur le papier on trouvait pèle mêle : la transformation du visiteur virtuel en visiteur physique – tarte à la crème dont nous avons tous à nous justifier et pour laquelle il serait bon que les professionnels du secteur trouvent une réponse commune à la mesure des enjeux du secteur culturel.

Le financement des projets innovants, sur lequel je reviendrai plus en détails.

Enfin, les aides à la visite – un enjeu dont on sent également qu’il relève du spectre de la médiation traditionnelle, celle-là même qui compose une partie du public du Clic et qui tremble à l’idée de voir ses compétences se perdre face à l’arrivée de solutions présentées comme nouvelles et en rupture. On l’avait déjà vu lors des rencontres numériques du ministère de la culture l’an passé : la salle se scinde systématiquement en deux groupes dont on comprend rapidement que les écarts culturels sont trop importants pour qu’un dialogue réel ne naisse : il faudrait combler l’écart pour donner une culture commune à tous.

Je crois qu’il est important de très vite parler à nouveau de contenus, de recentrer le but de notre présence sur les réseaux sociaux sur l’œuvre ou l’expérience pour éviter d’aggraver cette fracture médiationnelle.

 

Trouver la cohérence de notre secteur d’activité.

D’une part, c’est une question de stratégie envers ceux qui ont l’impression que tout le travail mené auparavant est caduque. Je crois assez fermement que le travail de démocratisation culturelle a échoué dans sa forme post-malrucienne… Il est assez évident que les politiques menées jusqu’ici ont eu des résultats bien au-deçà de ce à quoi on pouvait s’attendre; il serait assez intéressant de demander à ce secteur précis son « ROI », comme on le demande aux RSN…

Mais ce n’est pas cet échec qui est un problème en soi, puisque le secteur a déjà su évoluer une fois dans les années 80… Pas assez et pas selon des axes suffisamment forts cependant. Il s’agit maintenant de proposer des nouveaux outils pour changer l’optique et poser un regard encore plus précis sur un problème que ces 60 années auront permis d’à peine aborder.

 

Oui, je le pense sincèrement : d’autre part, il s’agit d’une vraie stratégie de contenus à mettre en place. Nous avons besoin d’utiliser les outils numériques à notre disposition, d’emprunter au besoin les méthodes de marketing, de placer note action dans des dispositifs économiques… Mais nous avons surtout besoin de retrouver un but à ces utilisations pluridisciplinaires, véritablement transversales qui nous mènent à nous interroger sur les approches transmédia, les trois temps de la visite et leur facilitation numérique, etc…

La crainte de voir ce but disparaître est au cœur de la peur du numérique. Pour tenter de densifier notre approche professionnelle, il nous faut effacer cette crainte.

 

Nous nous demandâmes entre museogeeks quel était l’enseignement de ces 3èmes rencontres nationales. Pour nous, cette crainte n’existait pas – nous n’avions pas trouvé dans ces rencontres des réponses qui fassent écho à nos propres inquiétudes pragmatiques ou stratégiques. Mais qu’en ont pensé les autres membres de l’assemblée?

Les réactions à mon intervention ont toutes été similaires : il était bon de voir quelqu’un dont l’action se recentre sur le contenu… Bien. Mais au-delà? Globalement, qu’ont-ils pu penser de ces rencontres et de l’image qu’elles donnent de notre secteur d’activité si particulier, venu recouvrir des territoires déjà en partie explorés par eux?

 

Je crois que les réactions de la salle ont prouvé que l’ensemble des interventions sur scène répondait à leurs peurs, sans parvenir à émettre des solutions, sans parvenir à leur faire porter le regard un peu plus loin sur les sujets. Ma table ronde en était exemplaire, puisque sans cesse je crois que nous avons été au bord de parler d’un peu autre chose, d’aller un peu plus loin et de cesser de tourner en rond comme des amateurs autour de notre sujet – financement, image institutionnelle, regard hiérarchique, rapport public-privé, morcellement des pouvoirs, etc. Mais, par manque de préparation de la table ronde, nous avons sans cesse été recentré sur des sujets qui, c’est vrai, pour un novice semblaient être intéressants. Mais tant de problèmes n’ont même pas été abordés… Ces problèmes soulevés par nos usages de plusieurs années ou dizaines d’années pour certains, par les usages massifs nouveau durant la dernière décennie : arrivons-nous vraiment à décentrer les rapports de pouvoirs dans la culture?  Que devons-nous mesurer quand nous parlons d’efficacité sur les réseaux sociaux? La reconnaissance nouvelle du secteur par les représentants hiérarchiques va-t-elle mener à une normalisation des pratiques? Qu’est-ce qui fait lien entre les professionnels : leurs pratiques ou la réception du public?

« Faites-vous de la modération sur vos pages Facebook? » s’interroge la salle… Ou la vacuité d’une bonne question naïve à laquelle on se sent obligé de répondre malgré tout.

 

Ce problème de la cohérence de notre secteur qu’on peut observer en creux dans le manque d’approfondissement des thématiques déjà abordées dans les rencontres précédentes se ressent sur un autre point: l’articulation des secteurs publics avec les enjeux privés.

 

E-album… Veut-on trouver un modèle favorable au secteur culturel?

Le Clic rassemble de plus en plus d’institutions et semble jouer son rôle de mise en contact avec les professionnels : pour preuve l’intervention renouvelée en cette 3ème année de Frédéric Durand de Smartapps qui est venu présenter le modèle économique qu’il propose dans le monde de la transposition numérique des maquettes d’albums papiers (vous savez, ces produits éditoriaux venus sauver in extremis par une offre moins onéreuse les presses de beaux livres) et autres audioguides d’entrée de gamme.

 

Le modèle clef en main rassure les directions d’établissements publics, car il est rôdé et présente un intéressement identique pour l’entreprise et l’institution quant au partage des revenus : si le privé y trouve son compte, c’est que forcément ce sera aussi le cas pour le secteur public, non? Et quid du contenu? Si le Louvre affiche farouchement sa volonté d’en rester le garant, je crois que nous sommes pourtant bel et bien sur une pente dangereuse – et je sais de quoi je parle, croyez moi.

Là encore, si nous n’arrivons pas à orienter nos pratiques collectives vers les vrais enjeux, nous n’arrivons pas à garantir nos missions.

 

De manière plus impromptue, Audio Visite a également eu l’occasion de prendre la parole un court moment, présentant un modèle économique relativement similaire. Connaissant un modèle différent au Centre Pompidou, j’ai moi-même pris la parole pour exposer un modèle d’accès à un générateur d’e-album par forfait annuel, clef en main, pour l’instant piloté par le prestataire lui-même (Cronos technologies) et sans aucun partage de revenu. Un modèle que je juge bien plus intéressant pour l’institution sans qu’il mette en péril l’entreprise qui le propose : les coûts de gestion de ce type d’app sont très faibles et il n’existe pour ainsi dire aucune maintenance.

S’il semble qu’un seul modèle économique soit présenté de façon récurrente, va-t-il vraiment s’imposer? Malheureusement, nous n’avons pas pu aborder ce point lors de cette rencontre, mais un atelier y sera sûrement consacré prochainement au clic et j’espère que celui-ci sera l’occasion de réfléchir à ces questions très importantes qui pour une fois permettraient le point de vue de l’intérêt stratégique du secteur culturel.

 

Peu de perspectives pour le financement de la culture.

Un autre très bon sujet abordé lors de ces rencontres est celui du financement des projets innovants. Une table ronde regroupant principalement des acteurs du mécénat s’est donc tenue dans l’après-midi, qui a montré combien les structures institutionnelles étaient mal dimensionnés pour le numérique… Pour illustrer ce propos, j’ai retenu la phrase d’une des responsables du mécénat dans l’une des deux institutions présentes qui très honnêtement a expliqué que la nature de leurs actions de financement habituelles la conduisait à aller vers de gros mécènes lorsque le numérique encourageait de petites structures à aller vers eux, sans qu’ils ne puissent répondre à ces propositions.

 

On le voit ici comme ailleurs, le numérique est un mouvement fortement décentralisé et le financement de la culture doit en prendre note également.

Cette table ronde pourtant n’a pas permis de dégager ces nouveaux enjeux de financement. On a peu ou pas parlé des alternatives au mécénat qui de fait s’impose actuellement comme l’autre grand financeur de la culture avec l’augmentation des ressources propres issues de l’activité de la structure. Cela rend plus que fragile le modèle économique de la culture car il ne permet pas les investissements sur le long terme pour les plus petites structures et orientera les mécènes vers les institutions qui sauront le mieux valoriser l’action et l’image du mécène.

 

Au-delà de cette idée sur laquelle de longs débats pourraient avoir lieu, il y a des conséquences prosaïques, à court et moyen terme, de cette polarisation des financements.

Par exemple: a-t-on interrogé la mode absurde de l’externalisation dans ce contexte? Comment pourrait-on encore penser qu’au-delà du court terme maintenir une activité dans l’institution ne reviendrait pas moins cher? Tous les professionnels avec lesquels j’ai pu parler ce jour comme les autres jours se plaignent du recours de plus en plus systématique aux marchés publics, à l’incohérence du code des marchés publics face aux contraintes réelles actuelles de nos domaines d’activité… mais le sujet, est peu glam(our). Il s’agit sûrement d’une révision globale des politiques publiques qu’il faut entamer et dont le secteur culturel est un avatar.

 

Une maison d’e-publishing unique pour tout le secteur culturel publique ?

Un des intervenants de cette table, cependant, a réfléchi un peu plus profondément à ces sujets, même si sa réponse peut là encore faire débat. Je voudrais donc noter la démarche d’un des acteurs culturels qui a pris selon moi un chemin courageux, alors même qu’il emporte principalement le contenu d’autres: la RMN. Car son système de e-publishing, basé sur une technologie que j’aimerais beaucoup voir adoptée par le Centre Pompidou, permet effectivement d’internaliser et de mutualiser une série de traitements des contenus depuis leur création jusqu’à leur publication.

La stratégie de la RMN-GP se recentre fortement sur la valorisation de ces contenus (dernier avatar : le plutôt prometteur quoi qu’encore peu mature Grand format), comme s’il y avait chez eux un devoir supplémentaire de mise en avant de ceux-ci afin de ne pas sembler vendre de l’espace et du vide, fut-il un vide exceptionnellement bien emballé… J’anticipe le modèle, mais j’imagine qu’en utilisant AquaFadas, l’institution se positionne comme un éventuel futur prestataire de service des autres institutions qui n’auront pas la possibilité d’ajouter de la valeur à leur contenu : la RMN-GP le fera à leur place avec des équipes ad hoc réunies pour l’occasion, dans le même temps où ils mettront en forme ces contenus grâce à leurs outils internes. On voit là une stratégie de financement très offensive, mais qui place encore une fois l’institution dans un secteur concurrentiel pour lequel elle n’aura au final pas les bonnes armes : le secteur a-t-il besoin de voir apparaître de nouveaux prestataires centralisant une série de compétences nécessaires au développement numérique, fussent-ils soi-disant publics, plutôt que de diffuser ces compétences et ces moyens?

 

La question connexe, qui n’est pas la seule mais qui est revenue lors de la table ronde : Faut-il pour financer la culture que celle-ci soit rentable? Ne peut-on pas séparer le traitement et la valorisation des contenus du service proposé? Il me semble pourtant, même si cela fait débat, qu’une partie de l’économie numérique nous a montré que c’est le service, la facilité d’accès et de compréhension plutôt que le contenu brut qui est valorisable. Ne serait-ce car ce contenu est diffusable trop facilement sans contrôle et que plutôt que de lutter contre un mouvement de partage, de générosité culturelle, il vaut mieux augmenter la qualité de ce que les visiteurs sont amenés à « consommer » (j’utilise ce terme pour montrer un appétit passif de culture, par opposition aux contenus qu’on cherche activement – j’y reviendrai).

 

 

En fait…

Je crois que ces rencontres du clic ont été un très bon cru. Elles le sont forcément pour tous ceux qui mettent un premier pas dans le monde du numérique. Arriver dans un tel dispositif, c’est comprendre tout à coup la force du numérique dans la culture… Comprendre qu’il ne s’agit pas que d’un jeu.

Mais ça aura aussi été un bon cru pour les professionnels déjà conscients des enjeux, car ils auront remarqué que ce qui manque le plus au secteur, c’est un but commun, une organisation collective qui applique nos principes à nous-même. Par le manque de dynamique qui a pu exister dans le relais des propos inauguraux de Conxa Roda tout au long de la journée, figure de proue d’un bateau amiral dont on n’a toujours pas hissées les voilés, ces mêmes professionnels prendront assurément conscience que sans s’organiser entre nous, nous n’arriverons jamais à faire que la culture déborde de nos musées avant ou après les visites…

Social Media Week… Vous avez dit « empowerment » ?

Avec Coline Aunis, Sébastien Magro, Omer Pesquer et Réza Azard, j’ai participé le mercredi 15 février à l’une des tables rondes de la Social Media Week parisienne, modérée par Catherine Guillou. Cette expérience fut assez frustrante, même s’il est possible de se consoler en se disant que certaines questions ont été posées, certains points de vue exposés. (j’aurais l’occasion de revenir sur le contenu de mon intervention sur le blog de Sébastien)

En effet, afin d’évacuer ma frustration d’intervenant, je dois dire que nous avons été assez déçus par le contexte de l’exercice : la salle n’était pas équipée de wifi et nous étions donc privés de la couche dialectique habituelle que nous permet Twitter… Notre temps de parole a été réduit (enfin, pas tant le mien dans la mesure où j’ai été désigné comme le premier à parler) et les questions avec la salle ont tout simplement été supprimées.

Ces détails n’en sont en réalité pas… Ils sont assez symptomatiques de la façon dont les échanges sociaux sont habituellement dégradés par le manque de moyens dans nos institutions. Par habitude, la structure des expositions, des conférences, de la communication de manière générale, est pensée de telle sorte à mettre en valeur un savoir légitime qui se voit au mieux complété par ces échanges sociaux – si le temps, les finances, le contexte le permettent…bref, si par miracle c’est possible.
J’eusse aimé que nous fussions en capacité d’inverser la logique de cette présentation… Mais nous avons su trop tard, n’étions pas certain les uns les autres de ce que collectivement nous aurions fait, et surtout nous ne voulions pas, l’un ou l’autre, se voler la parole. J’avais parlé en premier, sans être interrompu : lorsqu’on nous annonçât un temps de prise de parole global écourté, quel droit aurais-je eu de leur proposer d’écourter le leur au profit de la salle ? Eh, oui, les règles de savoir vivre sont les premières règles dont il faut se méfier lorsqu’on veut mettre en place des structures d’échanges communautaires : elles sont là pour légitimer et renforcer les structures en place. C’est le cas dans les échanges interpersonnels, mais aussi dans les échanges hiérarchiques (au sein ou avec les institutions).
Il faut le dire : nous avons raté l’empowerment que nous aurions dû produire alors… Nous, qui étions censés en parler ! Nous avions trop à dire, trop à faire, trop à expliquer, trop de pédagogie en stock pour ne pas l’exposer. Nous fûmes incapables de nous sortir de notre carcan ! Comment penser que nous serions capables de mettre en place des dispositifs pour que les autres soient en position, eux, de se sortir des leurs ?!

Le deuxième élément dont nous aurions dû nous méfier ? L’envie de vouloir transmettre un savoir. Je ne vais pas la jouer foucaldien et exposer la notion de savoir-pouvoir… mais quand même, c’est un peu l’idée. Nous avons de l’expérience dans le domaine, nous avons le loisir de produire une analyse sur nos pratiques et celles de nos collègues, le sujet de notre travail est le public… Bref, tous ces éléments nous mettent dans une position légitime de transmission, c’est-à-dire établissent autour de nous un dispositif de pouvoir. Le savoir que nous pensons devoir transmettre est forcément figé, puisque la transmission elle-même se base sur un objet à passer, un état des choses. Ceux d’entre nous qui faisons bien notre travail de museogeek (et ils étaient nombreux à cette table) savent combien nous avons à coeur de ne pas rester sur ces états figés ; mais c’est là une attitude dont nous ne pouvons pas faire profiter les auditeurs de notre table ronde – il faudrait pour cela qu’ils nous suivent, il faudrait qu’ils deviennent des amateurs… Il eût donc fallu que nous préparions notre conférence en réfléchissant un peu plus à ce que le dispositif de monstration qu’on nous proposait signifiait. Au contraire, avec toutes les réserves que nous avons pu émettre sur l’organisation de cette rencontre, nous avons tête baissée tenté d’aménager ce qu’on nous proposait, sans tenter d’utiliser les interstices laissées ouvertes par le flou de cette organisation.

Est-ce le troisième élément dont il faut se méfier dont nous avons été victimes : le soucis de garder une position digne d’être écoutés, invités de nouveau à nous exprimer ? Avions-nous peur de ne pas être entendus et compris par le public ? Je ne sais pas. Toujours est-il qu’à aucun moment nous n’avons remis en cause de manière globale le petit système dans lequel nous étions enchassés. Nous n’avons pas réussi ou pas voulu repenser les pouvoirs qui s’imposaient à nous.

Par twitter, j’ai eu cet échange avec le compte officiel de la SMWparis, suite à un check foursquare publié sur twitter :
@gonzagauthier : Au café, après la conférence on fait les échanges dont on nous a privé au #SMWparis #visiteur20 (@ Théâtre du Rond-point)
@smwparis : Ns vs avions prévenu que nous devions fermer le Petit Palais à 18h au plus tard, vs n’en avez pas été privé.
@gonzagauthier : oui, prévenus en arrivant de la fermeture, et prévenus de l’absence d’échanges pendant nos interventions. Un peu tard donc.
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@smwparis : Le petit Palais est un monument historique, cela ne vous aura pas échappé ; )

L’argument avait déjà été donné : préférer un lieu prestigieux à un lieu pratique. Mais pourquoi ? Quel avantage, si ce n’est produire des avatars de la légitimité que toute conférence cherche à acquérir ?
Je n’ai pas assez assisté à cette semaine d’échanges… mais notre petite table ronde représentait assez bien la façon dont le terme d’empowerment est pris comme un fétiche, quelque chose dont on parle pour sortir de l’embourgeoisement que nous offre la professionnalisation et la reconnaissance publique des pratiques sociales. Il ne faudrait pas qu’il soit ainsi récupéré, vidé de son sens par un emballement rhétorique qui donne de belles choses à entendre, mais aucune à mettre en pratique. Sauf peut-être des versions un peu dégradées, étudiées et disséquées de conférences en conférences.

Pour le moment, les vrais lieux d’empowerment sont les endroits où on ose expérimenter, les micro résistances qui s’effectuent à différentes échelles aussi bien au sein de certaines institutions parisiennes (j’en connais, et j’ose croire que parfois je le réalise aussi) que des plus petites institutions de province. Aussi bien dans des projets portés par des individuels que des professionnels indépendants.
Je souhaite ardemment qu’aucune nouvelle structure ne vienne recomposer un cadre de légitimité, ne norme les échanges aussi bien professionnels que commerciaux de la communauté des museogeeks. Pour ce faire, nous avons déjà un tas de grandes messes qui cherchent à défendre leur légitimité plutôt que les possibilités réelles d’empowerment. Peut-être en avons-nous besoin pour nous justifier auprès de nos hiérarchies… mais nous n’en aurons jamais besoin pour parler entre nous. Là, se situe l’empowerment.